Battle: Los Angels

世界侵略：ロサンゼルス決戦（☆☆★）

映画の冒頭で "World Invasion: Battle Los Angels"とタイトルが出るのは、これが世界公開タイトルということ？

異星人の同時攻撃によって世界の主要都市が次々に陥落。LAでは主導権を取り戻すための空爆が計画され、空爆エリア内に取り残された民間人の保護を命じられた海兵隊の一部隊が、困難な状況で奮闘する話である。大きな事件を俯瞰的な視点ではなく、ミクロ視点で描く昨今の流行に則った作りの「戦場映画」である。主人公らの部隊の活躍により、反転攻勢への糸口をつかんだところで映画の幕が閉じる。

かなり、FPS（ファースト・パーソン・シューティング）のゲームのような雰囲気の映画である。ミクロ視点に寄せるとは、究極のところは主人公なりなんなりの主観映像になるということだろう。それはそれでよいのだが、同時に、自分たちがどういう状況に置かれているのかという俯瞰マップを用意する親切さがあれば、ゲームとしてはプレイしやすくなるだろうし、映画としてはサスペンスを醸成し、より効果的に、ドラマティックに物語を語ることができただろう。

物語としては、海兵隊の主人公らが警察署に残された民間人を救出、空爆予定エリアの外に脱出し、前線基地に辿り着くというミッションを軸に物語が構成されている。こういう話は、それぞれポイントのなる場所の位置関係を上手に示し、観客の頭の中に地図を作ってしまうことが重要だ。空爆エリアがどこで、主人公らの現在地がどこで、警察署がどこにあり、空爆エリア脱出のためにどういうルートでどこに向かう必要があり、前線基地がどこにあるのか。そういったことである。

この映画では、作戦開始前に空爆エリアや他の部隊の展開場所などを説明する地図が短時間画面に映るので、作り手がこうしたことを全く考えていなかったわけではないと思われる。が、それ以降、観客と位置関係をシェアできるような演出はほとんど存在しない。

そうはいっても、民間人が同じビルのなかで右往左往するだけだった『スカイライン　征服』に比べるとはるかに「映画」としての骨格がしっかりしているので、単調だと入っても見ていられる。まさかこういう映画で主役を張るとは予想外だった『サンキュー(for)・スモーキング』、『ダーク・ナイト』のアーロン・エッカートが、現場叩き上げの指揮官を熱演し、海兵隊宣伝映画としては十二分に役割を果たしている。

Blue Valentine

ブルー・バレンタイン(☆☆☆☆★)

砂糖菓子のように甘い映画も好きだが、それとは真逆の映画も好きだ。お涙頂戴の「泣ける」映画のことじゃないよ。厳しく、ほろ苦い現実の中に少しばかりの真実のかけらを見せてくれる映画のことだ。そう、例えばこの映画のように。

結婚から数年が過ぎた夫婦のある日の様子と、二人の出会いから結婚に至るまでのバックストーリーを並行して描かれていく。ペンキ塗りを仕事にしている男は、学歴もなければ向上心もない。最低限の仕事をして、気楽に過ごしていけたらいいと考えているように見える。看護師の妻は大学を出ていて、現実的で努力家である。頼りがいがなさそうな夫にかわり、家計も、家庭の一切も、すべての責任を背負っているふうである。口を開けば互いへのフラストレーションが飛び出し、殺伐とした雰囲気が漂う。こんな二人がどんな出会いをし、何が二人を結びつけたのか。互いの何が魅力的だったのか。あまりにも惨めな現在からは想像のできない二人の過去。一見して輝いて見える過去のなかにも見て取れる、二人のその後を予見させるような問題の種子。

ひつとの関係の始まりと終わりを対比させながら見せるという発想は、あの『(500)日のサマー』を想起させる。ロマンティックな男と現実的な女という組み合わせもよく似ている。しかし、ほろ苦くはあっても、あくまで新種の「ロマンティック・コメディ」にとして楽しめる『(500)日のサマー』に比べ、、本作はあまりに現実味があり、あまりに痛く、あまりに哀しい。これを見て、所詮、こんなものだと達観するのか、そういう結末を迎えないですませるためには何が必要だったのか考えるのか。どちらにしても、折にふれて映画のシーンが心に揺り戻しをかけてくるような、どこか深いレベルで心に傷が残る、これはそういう映画である。

本作の主演、ライアン・ゴズリングとミシェル・ウィリアムズが筆舌に尽くし難いほどに素晴らしい。ここでの二人、もはや演技をしているにように見えないのである。世の中の片隅に、そういう二人がそのまま生きていて、その二人の人生をこっそりと覗き見をしているような、そんな感覚である。夫婦を演じる二人に、映画では描かれていない共に過ごしてきた何年間かの時間が感じられる。それを相性の良さ、というのだろうか。ともに時間を過ごしてきた結果、微妙にすれ違いギクシャクするさまを見せられる相性の良さって、なんか変な表現だな。

もちろん、映画化までの１０年以上の時間、おそらく練りに練りあげられたのであろう脚本、それにもかかわらず現場でのアドリブを多用した撮影、そうした映画の作り方があってこそだとは思うのだが、どちらかというと地味な映画で誠実に仕事を重ねてきた二人の実力の、そのレベルの高さには驚きを感じずにはいられない。こういう演技は、もちろん、アカデミー賞をかっさらっていった熱演、怪演と比べるとどうしても目立たないのは致し方ないのだろうが、もっともっと賞賛されてしかるべきものだと思う。

デレク・フランシアンス監督は、離婚家庭に育ったという。夫婦のやりとりや感覚の違いがどのようにして決定的なすれ違いにつながっていくのか、繊細な観察眼によって、そして、大胆な演出術によって再現をしながら、同時に、こんな二人が出会い、惹かれあっていくプロセスをロマンティックに描いて見せてくれた。幕切れの痛切さは、しかし同時に、幸せな時間というものがいかにかけがえの無いものであるかを教えてくれる。それを込みにして、本作のエンドクレジットの美しさをこの１０年のベスト、と呼びたい。

Black Swan

ブラック・スワン（☆☆☆☆）

以前、『クローサー』でストリッパーを気合充分に演じてみせたのに、やっぱり優等生でお行儀のよいイメージが崩れたりはしなかったナタリー・ポートマンの主演で、優等生でお行儀のよい主人公が芸道を極めるプレッシャーによって自分の殻を打ち破ろうと葛藤し、次第に強迫観念的な妄想と狂気にとらわれていくという話をやる。なんという抜群のアイディアだろうか。主人公に追い落とされる先代プリマにウィノナ・ライダーという配役も完璧。ライバルに人気急上昇中、ワイルドで少し下品目なミラ・クニスというのも慧眼。落ちぶれたかつての人気プロレスラーの話をミッキ・ローク主演でやってのけた前作もそうだが、ここのところのアロノフスキーは企画とキャスティングが絶妙すぎて神懸っている。

で、性格の異なる白鳥と黒鳥の両方をひとりで演じるのが通例になっているというバレエ『白鳥の湖』を題材に、自由に解釈された心理的スリラー映画である。バレエ映画を期待すると肩透かしを喰らったり、ホラーの範疇に入る不穏な空気、不意打ちのショック描写、それに肉体的な痛みを伴う描写に悲鳴が上がるかもしれない。映画の雰囲気は、この監督にしては比較的オーソドックスにストーリーを語ってみせた『レスラー』と、日常の中に強迫観念や妄想が入り込んでくる技巧的な『レクイエム・フォー・ドリーム』が混ざった感じである。

物語は、そのように着地するほかはないくらいに、狙いすましたような結末を迎えることになるが、完璧、という言葉と共にホワイトアウトするエンディングは、まさに完璧にキまっている。そのエンディングに、監督自ら姉妹編であると語る『レスラー』のエンディングが二重写しになるようなイメージを重ねているのは意図的なものだろう。徹底的に、精緻に作り込んだ作品ならでは窮屈さも感じないではないが、キャストたちがそれぞれのキャラクターに人間味を吹き込んで、血の通ったドラマになり得ている。

一人称の心理スリラーなので、主演のナタリー・ポートマンは文字どおり主演女優として映画を背負っている。バレエを実際に踊ったのが誰かと騒ぎになったのも記憶に新しいが、仮に相当以上のシーンでダブルが踊っていたにせよ、映画の価値は変わるまいし、彼女の演技の価値もまたしかりである。『クローサー』などでは、子役イメージからの脱却のための背伸びをした必死さが先にたってしまっていたが、今回はそこが映画の題材とシンクロしつつ、映画の主人公と同様のプレッシャーによって追い込まれた感がひしひしと伝わってくるのだから、そのことに対して評価が与えられても悪くはないのだと思う。まあ、演技を頑張っていることが分かりやすい役回りではあるのだが、それゆえに、アカデミーみたいな賞には合っているともいえる。

本作においては、主人公とヴァンサン・カッセル扮する芸術監督、先輩プリマ、ライバルとの少女漫画チックな関係に加え、主人公と母親との関係性が大きく扱われている。演技という意味では、地味かもしれないが、この母親役がよい。かつて主人公を身篭ったことでバレリーナとしての（とは言ってもそれほど華やかではない）キャリアを諦めた母親の、娘に対する期待と嫉妬、愛情と、それゆえの過干渉。これをベテランのバーバラ・ハーシーが納得のリアリティで演じて見せて素晴らしい。説明されなくても、彼女の佇まいで過去のドラマが全て了解できるくらいの説得力には唸らされた。

アロノフスキーには技巧的な映像を作る監督というイメージを抱いていたが、『レクイエム・フォー・ドリーム』でのエレン・バーステイン、ジェニファー・コネリーに始まり、本作にいたるまで、ベテラン、若手を問わず、的確なキャスティングと演出によって役者のポテンシャルを引き出すことにも長けてもいるのだということを、改めて印象づけられた。心理的に追い詰めていく部分の「恐怖」には見ごたえがあるが、音などを使った安易なホラーに多く見られる脅かし演出が頻出するのは少し陳腐に感じられるところだろう。

作品の出来とは関係ないことだが、フォックス・サーチライトのアート系（？）作品にもかかわらず、拡大公開という賭けに出て、それが見事に当たったというのはめでたいことである。ナタリー・ポートマンの日本における人気や知名度、アカデミー賞の受賞、バレエという題材、それぞれ単独では持ち得なかったインパクトが、そのかけ合わせのなかで生まれてきたとしか思えない。実に興味深いことだと思う。

A Better Tomorrow (2010) 무적자

男たちの挽歌 A BETTER TOMORROW (☆★)

まあ、場内の客層が、かつてあの名作に心を撃たれた人々というより、茶の間で韓流テレビドラマでも見ている感じの人々だったので嫌な予感がしたですよ。ええ。でも、ジョン・ウーその人がこの脚色を面白いと思い、製作総指揮に名を連ねているというからわざわざ足を運んでみたわけなのだが。

そりゃ、北朝鮮からきた兄弟として、ホーとキットに相当する二人の絆や愛憎を掘り下げるというアプローチもよいとは思うのだけれど。あの「男たちの挽歌」は、やっぱり、あの役者、あの台詞、あの音楽があって『男たちの挽歌』だったのであり、これじゃないんだ。ごめん。

監督のソン・ヘソンは、なんでもタルコフスキーが好きらしいのだが、そんなやつに『男たちの挽歌』を撮らせちゃいかんだろ。

だいたい、長い。123min 。オリジナルは95分だぜ。前日譚というか、物語のバックグラウンドを説明するためだけに尺をとりすぎており、かったるくてたまらない。役者がどれもこれも中途半端にイケメンなのも困る。音楽が湿っぽいだけなのも違う。銃火器によるアクション・シーンはさすが徴兵制の国だけあって（？）迫力満点だが、植木鉢に拳銃を隠すところくらい敬意を払って再現して欲しいものだ。

それに何よりも、マークの「もう頭を下げるのは嫌だ、物乞いは御免だ！お前を3年待ったんだ。二人で巻き返そう！（大意）」という絶叫がないんじゃ困る。足を洗いたいのに、自分の復讐のために足に怪我を負ったやんちゃな二兆拳銃野郎が涙ながらに絶叫して訴える。あそこでグッとくるんだろ。あれがなくって何が『男たちの挽歌』だ！台湾に飛ばされていたジョン・ウーの、ティ・ロンの心の叫びはどこに行ってしまったのか。なんかな、マーク役の役者にもキャラクターにも、あのチョウ・ユンファの見せてくれた愛嬌というか、魅力がないんだな。

とまあ、『男たちの挽歌』を名乗る必然性も感じられないし、名乗るんだったらもうちっとしっかりしろよと思うのはオリジナル好きがゆえ。しかし、それを抜きにして新作の韓国アクション映画としてみても、平凡よりも下の部類だろう。この内容で120分越えなんて、それだけでセンスがないといっているようなもんだ。

Burlesque

バーレスク（☆☆★）

田舎町からL.A.に出てきた小娘が魅入られたショークラブ「バーレスク」の舞台で、持ち前の実力を活かしてスターとして成功していく話に、作曲家兼バーテンダーとの恋愛や、嫉妬深い先輩スターとの軋轢、地区の再開発を狙う敵対的買収者からクラブを守り再生する話を絡めたストーリー。ご存知、クリスティーナ・アギレラ主演作。予告を見たときの地雷臭は相当なものだったので懐疑的だったが、少なくとも、「シンプルな筋立てを華やかなショーでつないだミュージカル風味の作品」という狙いを外してはおらず、ゴージャスでセクシー（というか少し下品）なダンスの振り付けもスクリーン映えし、多くを求めないのなら楽しめる１本には仕上がっている。小さな役とはいえ（『キャバレー』の舞台で評判をとった）アラン・カミングの出演があるのも、作り手の狙いや嗜好の表れだと思えば好印象である。

この映画の一番の不満は、本来一番の肝であるべき楽曲の問題であろう。アギレラが劇中で歌う（本人もクレジットに名を連ねた）楽曲が、どれもこれもシングルヒット狙いなのか、今風にリズム主体で、ミュージカルの楽曲としての魅力を全く持ち合わせていない退屈なシロモノだ。ビジネス上の理由なのだろうとは想像するが、なによりこれが映画であり、ミュージカルであるということを念頭におけば、こういう楽曲にはなるまい。逆にいえば、それ以外の楽曲はなかなか良く出来ているといえる。シェールが歌うナンバーなどは、彼女の歌唱力も込みで大いに見所、聴かせどころで、それ故にアギレラの楽曲の安っぽさがいかにも残念だ。

脚本の問題でいえば、シェールの回りの男性キャラクターがうまく整理されていないことが気になった。演出家であり長年にわたる理解者として配置されたスタンリー・トゥッチのほか、夫役のピーター・ギャラガーが出てくるのだが、この物語上の位置づけが中途半端で、何がやりたかったのかさっぱりわからない。ビジネス面を担当しているように見えるのだが、敵対的買収者とつながる悪役という位置づけではないし、シェールの味方・代弁者として采配を振るうでもなく、無能にも右往左往しているだけ。キャラクターとして、必要性も必然性もないだけでなく、シェールともあろう女主人がこの男のどこに惹かれたのかさっぱり分からないのは致命的。いっそこの二つのキャラクターをスタンリー・トゥッチの側に寄せて集約してしまったほうがスッキリしただろう。

Brooklyn's Finest

クロッシング（☆☆☆）

北朝鮮を描いた壮絶な人間ドラマ、じゃないほうのやつ。アントワン・フークアの野心作、"Brooklyn's Finest" である。

リチャード・ギアが珍しい役をやっている。ブルックリンの警官。制服組で定年間近。厭世感たっぷりでやる気もなく、トラブルの現場も見てみぬふり。ただただ面倒を避けて勤めを終え、チャイナタウンで馴染みの娼婦を抱く。コンビを組まされた若い警官にも愛想をつかされる始末だが、あることをきっかけに、彼の心の中が少しだけ動く。無事に引退の日を迎えバッジを外したギアだったが、偶然、行方不明として捜索願の出ていた女性が薬漬けにされ、どこかに運ばれる現場に出くわす。

同じ警察署には、身重で喘息持ちの妻や子供たちのために引越しを望んでいながら金の算段がつかないイーサン・ホークがいる。無理を云って契約した物件に対する手付の期限が迫っているが、警官の安給料ではまとまった金を作るのは難しい。焦燥したホークは殺人・強盗も厭わず、捜査現場からのドラッグ・マネーの横領を画策する。

また、この管轄の犯罪組織に潜入捜査をしている男、ドン・チードルがいる。長年の潜入捜査により、家庭は崩壊してしまった。そろそろ捜査から上がりたいと望む男だったが、警官の不祥事による失点をカバーするため目立つ実績作りに躍起のＦＢＩ（エレン・バーキン）や上層部（ウィル・パットン）から、男の命の恩人でもある犯罪組織の主導者（ウェズリー・スナイプス）を偽の取引きに誘い込むよう指令を下される。板挟みで悩み苦しむチードルだったが、彼を信用しきったスナイプスに取引を持ちかける。

三者三様の物語が、犯罪の巣窟と化した大規模公営住宅を中心に展開される。並行して語られる３つの物語は最後の最後になって一瞬だけすれ違うが、絡み合うことはない。邦題、クロッシングは、３人がどこかで交差するとでもいいたいのだろうが、ちょっと微妙だ。（「裏切り」かとも思ったが、違うんだな。）

出口のない街で繰り広げられる、ビターな物語を、まさにそのまま重苦しく真面目に描いて、アントワン・フークアの力の入りようはよくわかる。ヒーローとしての警官ものではなく、娯楽映画としてのファンタジーでなく、ドラマの中で幾度となく登場した「典型」をより現実に引き寄せ、一面的ではないキャラクターとして肉付けし、ドラマとして再構築しようとする試みである。が、３人の物語が並行して描かれるばかりで一つの物語として絡み合っていかないため、それぞれが、そこそこに面白いとはいっても、結局のところ重いくせに薄味で満足感が足りない。結論のでない答えを考えさせられて疲労し、スッキリしない。クロスしない3つの物語に132分は、ちと長いだろう。

あるいは、個人的事情から悪徳警官に落ちていったイーサン・ホーク、厳しい潜入捜査に耐え、上層部の勝手に振り回されながら個人としての正義を貫こうとする（ある意味での）ヒーローであるドン・チードルが、物語の定石どおりの結末を迎えざるを得ないのに対し、そうしたものと無縁でやってきたリチャード・ギアが本作における予期せぬヒーローとして物語を静かに締め括る役割を担っていることから、表面で語られているストーリーとは別に、単に皮肉というのでもなく、そういう物語の構図や構造から何かを読み解くことが期待されているのかもしれないと思ってみたりもする。そうだとするのなら、アントワン・フークアの野心はともかくとして、力量がちょっと足りないんじゃないだろうか。作り手自体が、物語の構造よりも、物語の中で起こる出来事に興味を引きずられているように思う。

Brothers

マイ・ブラザー（☆☆☆）

原題「Brothers」。『マイ・ライフ』『マイ・フレンド・フォーエバー』『マイ・ルーム』『マイ・フレンド・メモリー』に続く、感動の「マイ」シリーズ第５弾（嘘）　←ネタが古いよ

優秀で信頼厚い家庭人の兄、屈折した弟。海兵隊員である兄はアフガンに出兵していき、まもなくして訃報が家族のもとに届く。弟は、残された兄の家族と関係を深めていくが、実はアフガンで捕虜となり、家族のもとに戻るために究極の選択を迫られた兄が別人のようになって生還したことで、悲しみを乗り越えて平穏を取り戻したかのように思えた家族の風景に不協和音が生じるようになる。

デンマーク映画『ある愛の風景』（スザンネ・ビア、2004）の米国版リメイクである。脚色は『２５時間』、『トロイ』、『ウルヴァリン』のデイヴィッド・ベニオフ、監督は『マイ・レフトフット』、『父の祈りを』等のジム・シェリダン。

リメイクであるとはいえ、題材として、むしろ今の米国で作られることを自然に感じ、違和感がない。まあ、この内容を、外国（語）映画を見ない米国人に見せるためのリメイク、という側面もあろう。

もちろん、これはアフガン対テロ戦争の傷、というだけの話ではない。2つのドラマがここにある。ひとつは、優秀な兄と、その影で父親にも認められず、兄に劣等感を抱き続けた弟のあいだの複雑な感情を描くドラマ（タイトルであるところの "Brothers"）。もうひとつは、戦場に赴いた善意の人間が、壮絶な経験の末、人間性を喪失したり、大きな心の痛手を負ってしまうという戦争の非人間性を告発するドラマ。タイトルからすれば、「兄弟」のテーマがもっと前面に出てきても良いと思うのだが、本作は「兄弟」と「戦争」の2つのテーマのどちらかに重心をおくという選択をしきれておらず、結果としてどちらのテーマにおいても深みを出し切れていない。まあ、どちらも普遍的なテーマであるから、ありきたりの踏み込み方では新鮮味を欠いてしまうのも致し方ないだろう。

本作の一番の魅力は弟：ジェイク・ギレンホール、兄：トビー・マグワイアという、ありそうでなかったキャスティングである。当方、この二人のことを「どこかで似た雰囲気だが陰と陽の対」になる俳優として考えていたところがある。多分、ジェイクには『ドニー・ダーコ』、トビーには『サイダーハウス・ルール』などで売り出したころの印象が残っているからだと思うのだが、この二人が兄弟を演じるというのは、それだけでとても魅力的なアイディアだ。しかも、「陽」の側であるトビー・マグワイアが戦場での経験により豹変する役である。トビー・マグワイアが激痩せで熱演（ゴールデングローブ賞ノミネート）しているが、彼が演じるからこその痛々しさがよく出ていると思う。

一方、「フットボール選手だった兄と結婚した元チアリーダー」を演じているのがナタリー・ポートマンであるが、田舎町（撮影はニュー・メキシコ）の元チアリーダーとしては、彼女からにじみ出る知性と優等生ぶりがそれ「らしく」ない。彼女も役の幅が広がってきたが、似合う役と似合わない役があるのは否定できないところだ。

Bayside Shakedown 3 Set the Guys Loose !

踊る大捜査線 The Movie 3 ヤツらを解放せよ！（☆☆）

想像以上でもなく、想像以下でもなく。いろいろな小ネタを目一杯詰め込もうとした結果、2時間20分もの尺を使いながらもいびつで消化不良になっている。また、それだけ詰め込んでみたところで、長年のあいだに多様化してしまったファンのツボにもきちんと応えきれていない。きっと、いろいろな人がいろいろなアイディアを出したのだろう。苦心惨憺まとめてみたらこんなふうになった、と。

このシリーズ、そろそろ「イベント映画」路線を捨て、連続ドラマに回帰すべきではないだろうか。いかりや長介亡き後、キャスト（キャラクター）の世代交代を図りながらシリーズを続行するというのであれば、脇役にもスポットを当て、日常の延長線上でキャラクターたちのひととなりや人間関係をじっくり描き、それを育てていく余裕こそが必要だろう。それを数年に一度の派手なイベントとしての期待を背負う「映画」に望むのは少し難しい。

かのハニバル・レクターが獄中にいながらダラハイドを利用して牙をむいたことを想起させる「事件」が、湾岸署の引越しという混乱の最中に進行するというのが本作の骨組みである。およそ警察ものの定番外しからスタートしたこのシリーズだから、警察署の引越しというアイディアはそれらしくて悪くない。ここに、黒澤やら『ダークナイト』やら『エヴァンゲリヲン』やら、ありとあらゆるものの「オマージュ」が盛り込まれ、何度も繰り返して楽しむファンに向けて、さらに細かいお遊びやリファレンスがふんだんに挿入される。まあ、やりすぎれば鼻につくが、それもこのシリーズのお約束だ。

警察署の引越しを担う業者にしては身元確認が甘くてリアリティがないとか、セキュリティ・システムの解除がそんな安易でいいのか、といった脱力気味の部分も少なくないが、まあ、それもこのシリーズのお約束のうちなんじゃないだろうか。まあ、こういうところで白ける人もいるんだろうが、あくまでコメディだと思えば、許容範囲といえなくもない。

良い意味でも悪い意味でも君塚脚本らしさもある。映画版シリーズでも、ネットで知り合った若者同士であるとか、リストラ会社員たちを犯罪者として（ある種の偏見と共に）描いてきた延長線上で、メールアドレスでしか識別されないパートタイム労働者といったいかにもな時事ネタを潜り込ませる。今という時代の空気を感じさせるのはよいが、不特定多数のネットユーザーであるとか、社会における構造的な弱者に対する分かりやすい悪意や偏見が強く出ているのは苦笑すべきところなんだろうね。まあ、目をつぶってやってもいいや。仕方ない。

お笑いやおふざけのさじ加減が少しずつ間違っていて、笑える前に不快に感じるところも多々あるんだが、まあ、それもいつものこと。ん？そうだっけか？

しかし、頭をからにして、いろんなところに目をつぶって、大目に見てやって、初めて楽しめる作品っていうのはなんなんだろう。まあ、この監督がシリーズ以外で積み重ねた惨憺たる駄作の山を見れば、端から大きな期待をする方が間違っているのは周知の事実なんだけどね。

ひとつ言えることは、この作品の関係者たちはスカンクの臭いを舐めているってことだね。あんなもんで済むはずないないだろ、実際のところ。

Bolt (3D)

ボルト（☆☆☆★）

3D（日本語吹替）での鑑賞。まあ、経験的にも3Dでの字幕は厄介だから、吹替もやむなし、である。個人的にはオリジナルそのままの音声、字幕なしで鑑賞できると良いと思うが、興行としては成立しない。劇場公開という形態を考えたら、観客一人ひとりが好みに合わせて音声や字幕の切替えやＯＮ/ＯＦＦができるようにすることも不可能。かくして３Ｄ映画の興隆でオリジナル音声を聞く機会が確実に減っていくのだとしたら由々しき問題だと思っている。

さて、本作である。ディズニーがPIXARを買収した結果としてジョン・ラセターがディズニーのアニメーション全体の指揮を任されるようになってしばらく経つのだが、本作はその新体制になってから立ち上げられた最初の作品なのだという。新体制の肝は、経営主導による製作ではなく、作家主導による作品作りということに尽きるのだろうし、中身においてはPIXARがそうしてきたような、ストーリー（とキャラクター）に対する徹底的なこだわりの追求、ということになるのだろう。その結果、本作は、これまでの低迷はなんだったのかと思わせる出来栄えで、嬉しくもなるし、恐れ入りもするのである。

飼い主から離れてしまった犬が、大好きな飼い主のところに戻るため、仲間と共に大陸横断の旅をすることになるというシンプルなストーリーを核にした、ファミリー映画の王道をいくドラマである。そこに『トイ・ストーリー』のバズ・ライトイヤーを思わせるような、「フィクションの世界を現実と勘違いさせられている犬」というひねりを加え、笑いを生み出すと同時に、主人公のである犬の内面のドラマを引き出している。過去にトラウマをもつ人間嫌いの猫、TVばかり見ていてこれまた世間知らずのハムスターなど、脇のキャラクターもきっちり作りこまれ、頭の悪い鳩たちで笑いをとる。PIXARの作品がそうであるような、ときに実験的であったり野心的であったり趣味的であったりするような、ある種の「濃さ」には欠けている。が、そのあたりが今後の「DISNEY」と「PIXAR」のブランドのアイデンティティの違いになっていくのかもしれない。

映画の肝となる設定を説明するために設けられた冒頭の劇中劇に感心した。要は、主人公の犬が出演しているTVドラマの撮影シーンなのだが、普通にカットを割って撮影していたりしていようものなら、さすがの役者犬も現実とフィクションを勘違いしたりしない。そこで、「犬の真剣な演技（＝本気）を引き出すため」に、ライブ・アクション一発撮りで撮影をしているという、うまいアイディアを持ち出してくるのである。ダイナミックなアクション、手に汗握るスリリングなチェイス、、、と、まあ、実際にこれをこんなやり方で撮影するのはどう考えても無理な話。大嘘を嘘っぱちと思わせないあたりの絶妙のさじ加減。裏方スタッフの働きを挟み込みながら、「これでは犬も自分の超能力を信じるよね」と観客を納得させてくれるし、そもそもアクションが良くできていて、映画の導入、つかみとしては完璧だといってよい。

３D映画という観点からは、この作品が「３D」であることを特別に意識したような演出が目立たないこと、普通に作った映画を自然体で３D化処理しただけのような気負いのなさが印象に残った。３D作品をみるのは久しぶりなのだが、ロバート・ゼメキスの『ポーラー・エクスプレス』３Ｄや、『ベオウルフ』３Ｄなどは、３Dを売り物とした過剰な演出が楽しくもあり、鼻につきもしたものだ。自然体とはいっても本作、冒頭のアクションやクライマックスなどの大掛かりなシーンは言うまでもなく、ごくごく普通のシーンにおける奥行きに広がりが感じられ、臨場感や没入感は格段に高まっている。選択肢があるなら３Dで見たいと思わせるだけの有意差はあるのだが、一方で、本作の強み、そして良さというものは、３Dのアトラクション的側面に頼らなくても成立する普遍的な映画としての質の高さでもある。やはり、本当に面白いものはどんなフォーマットであろうとも面白いということか。

Burn After Reading

バーン・アフター・リーディング(☆☆☆)

前作『ノー・カントリー（No Country for Old Men）』ではアカデミー賞を獲ってしまったジョエル＆イーサン・コーエン脚本・監督による新作は、デッド・シリアスでダークな前作から一転、本気とも冗談ともつかない馬鹿騒ぎで真剣に遊んでみせる彼ら独特のブラックコメディだ。彼らがジョージ・クルーニーと組んだ作品はどれもコメディ風味だが、これは中でも一番悪ふざけの度合いが高いもので、これを真面目にどうこういうのが損。タイトルどおり、さくっと笑って見終えたら、さっぱりと「読後焼却」すべきタイプの映画である。短い尺にきっちりおさまった本作は、作り手の息抜きでもあるだろうが決して手抜きはなく、人を喰ったブラックコメディとして、こういうのが好きな向きに限定してお勧めだが、映画に「感動」やら「涙」やら「迫力」やら、「真実の愛」やら「うっとりするような美形スター」を求めちゃったりする観客には思いっきり不向きかもしれない。

プロットの基本は、ジョン・マルコヴィッチ、フランシス・マクドーマンド、ブラッド・ピット、ティルダ・スウィントンらが、それぞれの利己的な視点と動機から、本人は真剣なつもりの頭の悪い行動と勘違いを繰り広げ、単純なはずなのに複雑に絡まりあったわけのわからない事態に陥っていくというもので、唯一利己的でも頭が悪くもない普通の人を演じるリチャード・ジェンキンスは、その真っ当さと愛故に割を食い、散々振り回されたＣＩＡは、わけがわからないけど一件落着なんだよな、とケースファイルを閉じるのである。『スパイダーマン』シリーズで例の編集長を演じていたＪ.Ｋ.シモンズが演じるＣＩＡの上官に説得力のある面白さがあり、映画のはじめと終わりのショットも含め、「残念な人」たちが繰り広げる狂騒を描いたクライム・コメディ映画と見せかけて、膨大な国家予算を費やしてどこに金が消えていくのかわからないＣＩＡとその活動を揶揄するところに真の狙いがあるのだろうと思わされるわけである。

天下のＣＩＡの頭をも惑わす単純だけど複雑な混乱と錯綜を生み出すプロットとその構成は、いつもながら緻密で計算ずく、狙い済ましたように嫌らしい職人技で、絡んでいるようで絡んでいかない人間関係と利害関係が絶妙にもどかしい。こういうのを、「いかにもコーエン・ブラザーズの書きそうな脚本」だと理解しているが、今回は中身の空疎さに磨きがかかっているので余慶に可笑しくも腹立たしい。才能の浪費だとも思うが、正直、毎回『ノー・カントリー』でも疲れてしまうし、どちらが好きなのかと問われたらこっちのほうが数段好きである。

踊る馬鹿キャラを演じる出演者はみな公演。ありえないくらいの絵に描いたような底抜け馬鹿でありながら、その言動ときたら、ついつい身近にもいる人々を思い浮かべてしまうくらいに、妙なリアリティがあって最高にイラつかされるのである。どうしようもなくマンガでありながら、「そんなやついないだろう！」というレベルまでは落ちていかない匙加減は、脚本と役者、両方そろって初めて可能な難易度の高さである。間抜け顔をさらすブラッド・ピットの筋肉バカ加減はビジュアル的に大笑いできるが、フランシス・マクドーマンドの演技は本編中で最凶で、特にロシア大使館のくだりではこのキャラクターをブチ殺してしまいたい衝動が胸の奥から沸き起こってきて大いにストレスがたまったものだ。そんなキャラクターたちにつき合わされているうち、結局一番感情移入できるのがＣＩＡの上官だったりするところで、この映画の術中に落ちたといわざるを得なくなる仕掛け。悔しいけれど、面白い。だからコーエン兄弟なんて大嫌いだけど結構好きだったりもするのだ。

Bedtime Stories

ベッドタイム・ストーリー(☆☆☆)

「さあ、アダム・サンドラーの新作を見に行くぞ」と調べてみれば、表向き、ディズニー印のファミリー映画の体裁をとっているために、やたら「吹替版」ばかりが幅を利かせ、都合の良い場所で、都合のよい時間からの「字幕版」上映を探すのに苦労させられた。郊外のシネコンではもう、吹替版一色の様相を呈している。理屈はわからないでもないが、ここまで極端である必要があるものかどうか。選択の余地がないというのは困った事態だと思う。

さて、昨年はシリアスなドラマに挑戦した秀作『Reign Over Me (再会の街で)』があったものの、コメディ作品としては『Click（もしも昨日が選べたら）』以来、久方ぶりの公開となるアダム・サンドラー作品である。別にサンドラーがこの間、ずっとコメディから離れていたというわけではない。『I Now Pronouce You Chuck & Larry（チャックとラリー おかしな偽装結婚!?）』、『You Don't Mess with the Zohan（エージェント・ゾーハン）』と、ヒット作が２本連続で劇場未公開作となってしまっただけのことである。そういう意味では、ディズニー印だろうが吹替版だろうが、ともかく全国規模で公開されるだけでもありがたいと云わざるを得ない。なにしろ、アメリカ製のコメディ映画に冷たい国だからね。

さて、「ディズニー印」に初顔合わせとなるアダム・シャンクマン監督作、とはいえ、サンドラーにとって必ずしも他流試合というわけではない。脚本にいつものティム・ハーリヒーが参画しているし、製作プロダクションはサンドラー自身の「ハッピー・マディソン」である。接点を探してアダム・シャンクマンのフィルモグラフィを見ていると、アダム・サンドラーと仲の良いロブ・シュナイダー主演の『Deuce Bigalow: Male Gigolo（デュース・ビガロウ激安ジゴロ!?）』があった。もちろん、ハッピーマディソンの製作である。アダム・シャンクマンはここで振り付け（コレオグラフィ）を担当しているから、案外、それ以来のお付き合いなのだろう。ともかく、この映画でもアダム・サンドラーが、いつもの「大人になりきれない幼児性たっぷりの男」をフツーに演じ、どことなく脱力感漂うキャラクターたちが、ゆるっとしたテンポでギャグをかましていく。ね、いつものアダム・サンドラー映画、でしょ。盟友ロブ・シュナイダーがカメオ出演で笑いをとるところまで同じである。

不本意ながら姉の子供二人の世話を頼まれた男が子供を寝付かせるためにいい加減なお話を語って聞かせるのが話の発端である。そのお話しをイマジネーション豊かな子供たちが勝手に展開させていくと、翌日、それが（妙な形で）現実になる。そのことに気がついた男は、これ幸い、といい思いをするべく画策するのだが、、という筋立てで、敬愛していた祖父が譲り渡したホテルの経営権を巡るドタバタへとつながっていく。不思議な出来事を疑ったり、理由を探ったりする前に、うまい汁を吸おうと悪知恵を働かせるあたりの能天気さがアダム・サンドラーの演ずるキャラクターの典型で、笑ってしまうところ。子供向けだと割り切った本作では、驚くべきことに不思議な現象の種明かしもないというゆるさである。それでいいのか？といえば、問題のような気もするが、そういうノリが作品の基調であるがゆえに、笑って楽しむのが正解、だと思う。

アダム・シャンクマンはスティーヴ・マーティン主演のコメディなどで監督を手掛けるようになり、劇場版の『ヘアスプレー』で名を上げた。数多くの作品で振り付けを担当していたことでも分かるように、ミュージカル畑は得意とするところなのだろう。本作でもクライマックス、主人公とガイ・ピアース扮するライバルが新しいホテルのアイディアを競う場で「ミュージカル」が炸裂、あのガイ・ピアースに歌わせ、躍らせるという楽しいシークエンスが待っている。大小いろんな笑いが詰め込まれた映画だが、個人的なお気に入りはこの「ミュージカル」で決まり。

予告編などで流れる史劇調、西部劇調、ＳＦ調のシーンは、すべて「お話し」の世界を視覚的に見せるためのもので、あれが現実にあふれ出してくるわけではないのだが、主要な登場人物出演の上で、いちいち丁寧に映像化しているあたりに、ヒットを約束された大作ゆえの予算的なゆとりを感じさせられる。コートニー・コックスとケリ・ラッセルが出演しているが、ヒロインはケリ・ラッセルの方で、コートニーは主人公に子供を押し付ける姉役で出番は少ない。最近売り出し中（？）のラッセル・ブランドが主人公の（ちょっとネジの緩んだ）友人役として笑いをとる。このひと、要注目かもしれない。

Body of Lies

ワールド・オブ・ライズ(☆☆☆★）

レオナルド・ディカプリオにとっては『ブラッド・ダイヤモンド』に続く「社会派娯楽アクション大作」路線の第2弾、リドリー・スコットにとっては『ブラックホーク・ダウン』、『キングダム・オブ・ヘヴン』に続く「文明の衝突」シリーズ（？）第３弾、か。イスラム過激派組織の自爆テロを押さえ込むために、テロ組織の首謀者の手がかりを追う主人公・ＣＩＡ現地工作員（レオナルド・ディカプリオ）が、本部のあるラングレーでスパイ衛星の映像を見て衛星電話で勝手な指示を出したり、隠密裏に作戦を発動させたりするＣＩＡの中東局長（ラッセル・クロウ）のせいで右往左往させられ、酷い目に合う。「実録・スパイはつらいよ」だな。打ち手のなくなったＣＩＡは、主人公の発案により、本物のテロ組織を炙り出すために、架空のテロ組織とテロ事件をでっちあげるという大胆かつ巧妙な自作自演作戦を決行する。

ＣＩＡといえばその胡散臭いイメージはおなじみだが、おそらく、近年の娯楽映画の中でこれほどＣＩＡが間抜けに見えたのも珍しいのではないか。ラッセル・クロウ演ずる主人公の上司が取り立てて間抜けというのではなく、一応は百戦錬磨の曲者であり、鼻持ちならないとはいえ切れ者であるはず。そんな人物の判断や行動が、結果として現場を混乱させ、任務の遂行を困難にもする。この映画では、こういうちぐはぐの背景に現地カルチャーに対する米国の無理解と米国的手法（ひいては米国的な価値観）に対する過信があることを、現地の言葉を自在に操り、現地のカルチャーに溶け込もうとする現場工作員たる主人公との対比において描き出していく。そう、自分たちこそが世界の中心で、自分たちは全てお見通しで、自分たちが一番賢いという米国の思い上がりだ。（思えば、そういう「思い上がり」の幻想を砕かれて混乱に陥った様を描いたのが『ブラックホーク・ダウン』だ。）これは、ジョージＷ・ブッシュがどうの、共和党がどうのといったレベルの話ではないので、本作が米国で受けが悪いのも納得がいく。

では、主人公である現場の工作員は異文化に理解を示すわれらがヒーローなのか、というと、それも違う。レオナルド・ディカプリオをここにキャスティングしている意図は、彼の理想主義的で青臭いイメージをこのキャラクターに被らせることにあるだろう。彼は分かったつもりでいる。現実が見えているつもりでいる。しかし、彼は若く、底が浅く、ナイーヴである。緊迫した情勢のなかでの現地人との恋愛ごっこに興じるあたりが典型だ。それゆえの罰であるとまでは言わないが、ディカプリオは劇中でさんざん肉体を傷つけ痛めつけられる。犬にかまれ、同僚の骨の破片が食い込み、捕らえられ、指をつぶされ、拷問を受ける。

この物語で本当に「大人」なのは誰か。それは、主人公が協力を願い出るヨルダン情報局のトップ(マーク・ストロングが役得の好演）である。これは、本作と同じリドリー・スコット＆ウィリアム・モナハン脚本による『キングダム・オブ・ヘヴン』において、清濁併せ呑む懐の深さと静かで洗練されたリーダーとしてイスラム世界の長・サラディンを描いていたのに呼応するものだと考えられよう。ＣＩＡと手を組み、原理主義テロリストの掃討作戦にも協力をするが、独自の行動規範や手法、情報網を駆使し、彼を欺こうとするものの常に一歩、二歩先にいるのが、このマーク・ストロング演じるキャラクターである。西欧社会との接点であり協力者であるが、簡単に利用される男ではない。ミクロにおいて全てを手玉に取りながら、マクロにおける互いの世界の最大利益を考えることのできる男なのである。

この映画は興味深い様々な要素をありったけつめこんで見せるために、アベレージのハリウッド娯楽映画に比べるとストーリー・ラインが必要以上に複雑に感じられ、うまく整理がついていないように感じられる。複雑な世界情勢を単純な娯楽映画のフォーマットに流し込む過程で、どちらも立たず中途半端になったきらいもある。フォーミュラのはっきりした娯楽映画に振るならば、スコット（兄）よりもスコット（弟）のほうがうまく手綱をさばいて見せただろう。しかし、善悪のはっきりしない混沌の中にエンターテインメントを見出すことができれば、これは意外に見応えがあり、示唆に飛んだ作品だといえる。

The Other Boleyn Girl

ブーリン家の姉妹(☆☆☆★)

16世紀、英国国王ヘンリー８世は流産と死産を繰り返し世継ぎとなる男子を産むことができないキャサリンとの「婚姻の無効」をローマ教皇に申し立てるも認められることがなかったため、教皇庁との断絶を選び、英国国教会を成立せしめるに至る・・・などと書くと面白くもなんともないのだが、この映画は、堅苦しい世界史教科書の記述の裏側にあるスキャンダラスな史実を基に、女たらしで飽きっぽいヘンリー８世と、姉妹ともにヘンリーの愛人となったアンとその妹メアリーの３人を中心にすえた、下手な昼メロが吹き飛ぶようなドロドロの愛憎メロドラマとして仕上がっており、娯楽性十分の一本だ。この作品は、そういう下世話なところが面白いのであって、ソープオペラのようだという非難はお門違いだろう。

何よりもまずキャスティングが豪華。邦題にもなっている「ブーリン家の姉妹」を、この秋それぞれ別の主演作も公開されているナタリー・ポートマン（『宮廷画家ゴヤは見た』）』とスカーレット・ヨハンソン（『私がクマにキレた理由』）が演じ、ヘンリー８世はエリック・バナという布陣。背が低く色黒でやせっぽちで小賢しいアン・ブーリンをポートマンに演じさせる一方で、色白豊満な美人といわれる妹をヨハンソンに演じさせるキャスティングは、ビジュアル的も実力的にもこれ以上望みようがあろうか、というべきもの。本作の見どころのひとつは２人の演技合戦ということになろう。

しかし、実のところ本当に貢献の高いのはピーター・モーガンによる脚本だろう。もちろん、「史実」を元に昼メロドラマをつむぎ出してみせたフィリッパ・グレゴリーの原作小説があってのことだとは思うが、英国史になじみのない観客にもとっつきやすく状況を説明し、政治的な背景にはあまり踏み込まずに愛憎関係にフォーカスをあてていく手際のよさは鮮やかなものである。複雑な人間関係や感情の機敏を実に的確に描いて分かりやすく、かつ、面白い。登場人物は類型的に描写されているように見えるが、それぞれの立場で、それぞれの判断を下すさまが見て取れる。権力欲に取り付かれた新興貴族である姉妹の家族の描写などもさじ加減がよく、権勢を極めるも最後は断頭台で命を落とすアン・ブーリンの空しく哀れな顛末を描く筆致も見事である。遠い昔の愛憎劇を描きながら、単に「現代的」であるのではなく、現代に通じるドラマを見出すことができるのである。

監督のジャスティン・チャドウィックはＴＶドラマ出身だというが、どうして、ＴＶらしいメリハリと、映画ならではの風格を併せ持つ堂々たる演出で観客を飽きさせず、十二分に名を上げたといえよう。サンディ・パウエルによる絢爛な衣装も見応えあり。

Being John Markovich

マルコヴィッチの穴（☆☆☆☆）

この物語の一応の主人公は売れない人形遣いである。彼が生活のためにファイル整理の仕事に就くのだが、ある日ファイルキャビネットの裏に奇妙な扉があることを発見する。ドアの向こうには長いトンネルがあって、その先は、なんとジョン・マルコヴィッチの頭につながっていた！という、支離滅裂な不条理コメディであり、風刺激であり、ラヴ・ストーリーだったり、という摩訶不思議な１本。

そう、なんとも奇天烈な作品なのだ。他人の身体の中に意識を宿すというアイディアだけなら珍しいものではない。しかし、この作品は、そこからどんどんと妙ちきりんな深みにはまっていき、いったい物語がどこに向かっているものか、一歩も先が読めなくなっていってしまうのである。

そもそもファイル整理の仕事に就いた主人公の職場が、オフィスビルの「7.5 階」にある、というところでヤラレた感がある。この設定は、話の展開上ほとんど意味がない思いつきの一発ギャグのようにみえて、不条理な世界への入り口として効果的に機能している。エレベーターを強制的に止め、手動で扉をこじ開けないといくことのできない非日常な場所。天井がやたら低くどこかピントのずれた人々が働くフロア。ここだったら、何が起こっても不思議でない。

そもそもというのなら、主人公の職業が「人形遣い」というところ。これも、身悶えする人形などという、前代未聞の思いつきギャグをやりたいからかと思って見ていると、「人形」としての他人の体を内側から操るという話につながっていく。

そこに、「マルコヴィッチ」である。この名前の響き。あの容姿、あのネズミ目。他の誰かでは成立しそうで、成立しない危うさ。これを思いついた瞬間、そして、本人が出演OKした瞬間、「勝った」と思ったことだろう。

劇中、マルコヴィッチのことを「２０世紀におけるアメリカの偉大な俳優だ」と説明する主人公だが、「で、どんな映画にでているの？」と問い返されて具体的な作品名が一つもでてこないというシーンがあるのだが、そういう「名前はしってるんだけど？」というポジションも含めて、絶妙な感じがする。

いや、この映画に足を運ぶような観客だったらもちろん、マルコヴィッチといえばあんな作品やこんな作品といろいろ頭に浮かぶだろうし、本作の主人公を演じているのがジョン・キューザックだから、「お前、『コン・エアー』で共演してたじゃん！」などと思うんだけどね。

そのマルコヴィッチご本人、本作において「世間の自分に対するイメージ」を演じるという機会を得て、実に楽しそうに見える。外見によらず、いいやつなのかもしれない。

ジョン・キューザックとキャメロン・ディアズが汚らしい格好で全く冴えないキャラクターを演じている。特に、『メリーに首ったけ』のイメージでしかキャメロンを覚えていない人には唖然とする変身ぶりなのだが、こんな役を嬉しそうに演じている彼女は面白い人だと思う。マルコヴィッチ体験の後での豹変ぶりは笑えて仕方がない。もう一人、個の二人に比べると知名度で劣るが、キャスリーン・キーナーという女優さんが重要な役をやっていて、たいへんに印象に残る。また、「本人役」でいろんなスターや監督がカメオ出演しているのも楽しいところである。

このユニークな脚本を書いたのはチャーリー・カウフマン、監督は、オフビートな作風のミュージック・クリップの演出で知られるスパイク・ジョーンズ。インディペンデントならではのユニークな感覚と世界。商業主義的なアメリカ映画界からこういう作品が飛び出してきて、しかも興行的にも成功してしまうところが、彼の国の映画産業の強みのひとつだよな。

The Bone Collector

ボーン・コレクター（☆☆☆★）

NYを舞台に、怪奇で残虐な連続殺人事件が発生する。犠牲者から骨の一部を摘出し、残忍な方法で殺していく犯人は、捜査陣との知恵比べを楽しむかのように現場に様々な証拠やメッセージを残していく。この事件に立ち向かうのは、仕事上の事故で身体のほとんどを動かすことが出来なくなった現場検証の大ベテランと、彼の目となり手足となるために抜擢された若い女性警官だ。このコンビを演じるのがデンゼル・ワシントンとアンジェリーナ・ジョリー。監督はフィリップ・ノイス。

アンジェリーナ・ジョリーはジョディ・フォスターではないし、フィリップ・ノイスはジョナサン・デミには程遠い。だから、この映画は『羊たちの沈黙』レベルの作品にはなっていない。しかし、『羊たちの沈黙』以降、山のようにつくられてきたサイコ・スリラーのなかでは、結構楽しめる部類の作品といっていい。ジャンルを再定義するような傑作ではないが、力のこもった好編だと思う。

映画のストーリーそのものにはそれほど新味があるわけではない。牢獄の中のレクターからヒントをもらって事件に立ち向かうクラリスという構図が、ベッドの上で寝たきりのデンゼルの手足となって凄惨な現場に踏み込むアンジェリーナに容易に重なって見えるし、凝った殺人法は『セブン』などを思い出させる。あくまで、もはや定番となったサイコ・キラーものである。もしこの犯人を精神異常者というカテゴリーに含めることが出来るのなら、の話だが。

決まりきった話だからこそ、見せ方がモノを言う。例えば、映画の始めの方で、アンジェリーナ演じる警官が通報を受け、最初の死体を発見する。ここでなんの用意もない彼女が証拠確保のために効かせた機転。それ自体がプロの仕事ぶり感じさせるのもあるし、巧みなキャラクター紹介にもなっている。サスペンスを盛り上げる組み立て方もいい。謎が解けてみれば、なんだ、その程度のことかとガッカリしてしまうのだが、そこに至るまでのプロセスで上手に観客の気分を盛り上げていく。一般にはぬるい監督と思われているフィリップ・ノイスだが、大型の娯楽アクション作品は今ひとつでも、こういうサスペンス・スリラーを撮らせると活き活きとするものだ。

ところで、この映画、それよりも何よりも、「スター・メイキング」の１本という意味で見逃せない。

アンジェリーナ・ジョリーは、昨年、TV映画『Gia』で評判をとって、そのあと急に出演作品が増えている新進スターである。ジョン・ボイドの娘、という出自も、そのセクシーな口元も目を引くのだけれど、いやはやどうして、ここでの彼女、凛と背筋を伸ばした姿の格好良さ。彼女の颯爽とした演技をみていると、これがスター誕生の瞬間なのだと確信する。この後出演作が次々公開される、絶対注目すべき女優だろう。

そんな彼女の引き立て役に回っているのがデンゼル・ワシントンである。首から上だけしか使えない難役ながら、若いスター誕生に貢献している。その看護人を演じたのが立派な体躯のクイーン・ラティファーだが、これまた、そのキャラクターの扱いがひどいと思わせるほどの好演を見せている。やっぱり役者がいいと映画が締まる。また、音楽もいい。クレイグ・アームストロングが堂々たるスコアを書いていて、感心した。この人、こういう仕事もできるのか。

Bats

BATS・蝙蝠地獄（☆☆☆）

政府が実験していた強暴なコウモリがテキサス州で逃げ出し、仲間を増しながら人間を襲い出す。無慈悲で知能的な殺害マシーンと化したコウモリの群れと対峙する、小さな街の保安官とコウモリの専門家！

ハロウィーン・シーズンを当てこんだ、典型的な搾取（エクスプロイテーション）映画である。だからつまらない、だからダメな作品・・なのか？いや、そうじゃないだろう。

もちろん、この作品をダメだということはたやすい。『鳥』のように群れを成して襲うコウモリ。『ディープ・ブルー』のように人為的に知能を増大させた実験動物。パターン通りで予想を全く裏切らない展開。政府の実験にマッド科学者。お懐かしや、ルー・ダイヤモンドが主演。もちろん低予算・・予算節約のためのCGと、模型の安っぽさがバレないためのすばやい編集。

でも、脚本のジョン・ローガンと、監督のルイス・マーノウは、こういう企画につきものの様々な制約を向こうに回して、予算とテーマに似合わぬスケール感を出すのに成功していると思うのだ。中盤以降なぞ、閉塞感と開放感を巧みに組み合わせ、なかなか小気味良い展開を見せてくれるので侮れない。

コウモリの群れの描き方にも生理的な気色悪さがあって、悪くない。特に前半、主人公たちの乗ったクルマに群がったコウモリの薄気味の悪さは最高だ。

コウモリの専門家として招聘される女性科学者を演じたディナ・メイヤーが実質的な主人公。若い女性を中心に据えるあたりもこのジャンルの何たるかが良くわかった連中の仕事といえるが、この彼女、なかなか拾いものなのである。というか、傑作『スターシップ・トルーパーズ』に出演していた、あのディナ・メイヤーであるからして、心有る人ならば説明は不要だろう。

この映画で物足りないものがあるとすれば、それは癖のある俳優の怪演と、ちょっとした遊び心ではないか。ここに、例えば『アナコンダ』のジョン・ボイトだったり、『レイク・プラシッド』のオリヴァー・プラットのような「怪演」が加わって、遊び心のあるユーモアがあれば完璧なんだけれどな。ユーーもアという意味では最後に一発決めてくれるのだが、そのセンスがもっと全編にあればなお良かっただろう。

Bringing Out the Dead

救命士（☆☆☆）

NY・へルズキッチンで救命士として救急車を走らせる主人公の3日間。しばらく前に救うことができずに死なせてしまった少女に対する罪悪感を胸に、きわどいところで正気を保ちつつ、ドラッグや犯罪渦巻く街を走る主人公は、自身の救いを見つけることが出来るのか。出演はニコラス・ケイジ、パトリシア・アークエット、ジョン・グッドマン、ヴィング・レームス、トム・サイズモアら。

NYで実際に救命士を務めた経験のあるジョー・コネリーの原作を、ポール・シュレイダーが脚色し、・マーティン・スコセッシが監督する。『タクシー・ドライバー』のコンビが久しぶりに組んで、ニューヨークを描くということで話題の1本だ。

映画の始めに病院に担ぎ込まれ、植物状態で生かされ続けることになる男のエピソード、その男の娘と主人公を巡るエピソード、クスリのせいで完全に正気を失い病院と街を繰り返し行き来している男のエピソード、途中で知り合うドラッグディーラーを巡るエピソード、同僚をめぐるエピソードなどが、緩く絡みあっていく。また、。原作者が監修した救急現場の現実もひとつの見せ場である。

たしかに、流石に一流の監督が撮った作品、という格の違いのようなものはある。映像的な面白さはある。色調を押さえているようでリッチな色を感じさせる撮影も素晴らしい。細かいショットをリズミカルにつないでいく編集も見事であるし、いかにもスコセッシと思わせる選曲による既成曲のパッチワークも、まあ、過剰気味ではあるが、耳に楽しい。

でも、作品としての強さは作り手の名声から期待されるほどのものではない。

ひとつには、この映画が断片的なエピソードがつなぎあわさって、より大きなテーマを浮かび上がらせるというスタイルをとっていることにある。描かれるエピソードの一つ一つに意味が付加されているものの、全体としてのドラマには力強さが欠ける。

もう一つは、「今、この作品である意図」が見えてこないこと。

原作の、そして、映画の舞台は９０年代の初頭だというから、かれこれ１０年が経過していることになる。この１０年というのが、意外や中途半端な距離感で、８０年代ほど「過去の歴史の一部」になってはいない生々しさはあるが、現代と云うには離れていて、「今」を捉えているというわけではない。時代にとらわれず、普遍的なテーマを描いているにしろ、なんとも煮え切らない感じがするのだ。

毎年２～３本の出演作が公開される人気者、ニコラス・ケイジが「正気と狂気の境目にいて、かろうじて仕事をこなしている男」の眼にリアリティを与えている。この映画がその「眼」で幕を明けることが象徴しているように、これは、彼の目が捉えた3日間、彼の目が捉えた世界の物語である。

既成曲の合間をつなぐように流れるベテラン、エルマー・バーンスタインのスコアが、さまなくばバラバラになりそうな作品全体に、一筋の統一感を与えていたのが印象的であった。

Body Shots

ボディ・ショット（☆）

ニューラインの宣伝曰く、「60年代の卒業、70年代のサタデーナイト・フィーバー、80年代のブレックファスト・クラブのように時代を定義する作品がある・・そして、今。」

本当か？

正直にいって、この程度の作品に時代を、世代を定義されるのは迷惑至極なんだけどな。宣伝も困った末のハッタリなんだろう。時代を定義する作品を、限定マーケットで公開ってあり得ないもんな。

それはさておき、映画は現代を生きる20代の男女8人の、恋愛観やセックス観が交差する一夜の出来事を描いていくものである。ショーン・パトリック・フラナリー、ジェリー・オコネルらが共演。『アメリカン・ヒストリーX』が話題になったデイヴィッド・マッケンナの脚本である。ケーブル局が制作したTV映画『GIA』が話題になった、マイケル・クリストファーの劇場作品監督デビュー作。もともと脚本、役者としてTV中心に活躍していた人のようだ。

ショーン・パトリック扮する人物と恋人のところに、デートレイプされたといって取り乱した友人が現れるところで幕を明け、前日の夜に戻って男女８人4組が過ごした一夜を描いていく。ダンスフロアで強いカクテル「Body Shots」を交わす4組のカップル。終盤レイプの顛末が描かれ、その事件を乗り越えた前述のカップルのシーンで終わる。その間に登場人物がそれぞれカメラ目線でいろいろ語りかけてくる趣向だ。

スタイル自体は今となっては珍しくないが、統一感のある色彩設計やマーク・アイシャムのジャズが入ったけだるい音楽によって、まずまず見た目のスタイルとしてはまとまっている。

ただ、つまらないんだよ。カッコをつけたスタイルと、実はそれなりにヘヴィーで辛気くさい内容もあっているとは思えないし。

ハリウッド的なメインストリームから背を向けて、都会的で深刻でスタイリッシュなドラマを作ろうと志向すればするほど、つまらない映画ができあがる法則でもあるかのような気がしてくる。アンチ・ハリウッド的な意味で、こういうのを過度に褒める人もいるけど、それはなんか違うんじゃないか。

Blue Streak

ブルー・ストリーク（☆☆★）

プロの強盗団の中心人物として、巨大なダイヤを盗み出したのつかのま、仲間の裏切りにあって警察につかまってしまう主人公。しかし、逮捕直前に機転を聞かせ、工事中のビルのダクトに宝石を隠すことに成功するのだった。2年が経過して、刑務所をでた主人公は隠しおおせた宝石を取り返しに向かうのだったが、そのビルはなんと警察署になっていた！

『バッド・ボーイズ』ではウィル・スミスと、近作の『ライフ』ではエディ・マーフィと共演したマーティン・ローレンスが晴れて一枚看板となった本作。例えていえば、ニック・ノルティやダン・エイクロイドとコンビを組んでいたマーフィが『ビバリーヒルズ・コップ』で華麗に一本立ちしたことを思えば、本作にはそれだけのパワーはない。まあ、お好きならどうぞ、あるいは暇つぶしにどうぞ、というレベルか。

しかし、アイディアは面白い。プロの強盗であるマーティン・ローレンスは、転勤になった刑事のふりをして署内に侵入するのだが、それだけではすまない。刑事として捜査の一線に立たされてしまい、、成り行きとは云え大活躍してしまうという展開が馬鹿らしくていいじゃないか。

残念なのは、そんな無茶な展開に、それなりの信憑性を与えられるディテールに欠けること。大嘘をつくためには、小さなリアリティの積み上げが欲しいと思うのだ。ほとんど無名な脚本家たちの作だから、多くを求めても仕方ないのかもしれないけれどね。

しかし、まあ、監督のレス・メイフィールドは、雑な脚本と暴走気味の主演俳優を与えられてもテンポよく話を運んで快調そのものである。すっかり家族向け映画のプロデューサーと成り果てたジョン・ヒューズ御用達なんぞに落ちついてしまったかと思いきや、コメディ描写はともかく、クライマックスのアクションも歯切れがいい。

主演のマーティン・ローレンスは演技が面白いというより、無理に笑いを取ろうとしている感じがちょっと弱い。また、彼には映画を一人で支えるだけのオーラが、まだ備わっていないのである。あと少しなんだけどね。

Bowfinger

ビッグ・ムービー（☆☆☆☆）

友人の会計士が仕上げた一冊のエイリアン侵略ものの脚本を読んで感動した３流プロデューサー兼ディレクター。自分の家に出入りする３流役者やスタッフをかき集めたが、成功させるには大スターも必要だ。手持ちの金もない。そこで一計を案じ、大スターが知らないまに、無許可でその出演シーンを撮影してしまおうというゲリラ撮影を決行することになる。

この作品は、もう、スティーヴ・マーティンとエディ・マーフィの初共演、というのが売りものだろう。脚本はマーティン自身が手掛け、監督は、彼と4度目の顔合わせになるフランク・オズ。

一体どんな映画かといえば、『エド・ウッド』から感傷を引き、代わりに「騙し」のスリルを加味して突っ走る。そんな感じである。ともかく、ここ数年のスティーヴ・マーティン主演作としては最高の出来だ。

大スターを２人並べてはいるが、なんといっても、これは脚本も手掛けたスティーヴ・マーティンの映画である。作品の隅々まで、彼らしさが行き渡っているのだ。なんといっても脚本の巧みさ。アイディアに溢れたプロット、小技大技とそれを繰り出すタイミング。伏線は忘れたころにきちんと拾うし、自分と共演者の個性を活かしきる設定もそうだし、ダイアローグも相当練られている。

素晴らしい脚本を得て、パラノイアぎみのスターを含めた２役演じるエディ・マーフィも、近作は一体何だったのかと思いたくなるイキの良さを見せてくれる。客演ということで肩の力が抜けたのもあるのだろう。

それに、ヘザー・グラハムだ。ファニーフェイスでコメディセンス抜群の彼女だが、これまでの作品から、「清純派」のイメージと「セクシー路線」の両方のイメージを持っている。それを逆手に取り、頭空っぽなスターを夢見る田舎娘というキャラクターで登場しておいて、観客の先入観を次々に気持ち良く裏切っていく面白さ。劇中映画の演技で身体をクネクネさせる珍妙な動きも悶絶もの。コメディ映画のヒロイン、かくあるべし。

導入のきどったクスグリから、ゲリラ撮影がはじまってからのスピード感溢れるノンストップのドタバタまで、フランク・オズが緩急つけながら、陽性の爆笑映画に仕上げてくれた。映画作りへの愛と情熱を隠し味にしているのは間違いなく映画好きの琴線に触れる。夢は叶うという隠しメッセージもいかにもアメリカ。感傷で落とさず笑いで締めるのも、ハリウッド・コメディの鏡といえるだろう。