探偵はBARにいる

探偵はBARにいる（☆☆★）

『相棒』・『ゴンゾウ』の古沢良太脚色、『相棒』・『臨場』の橋本一監督というテレ朝水曜枠で楽しませてくれている面々が手がける劇場用新作だというので、せっかくだからと思って東映東京撮影所のある大泉に足を運んだら、最大キャパシティのスクリーン１での上映。さすが東映製作・配給作品、気合が違う。この映画は、東直己の「ススキノ探偵シリーズ」を原作にしているんだそうだが、ごめん、読書家ではないので存在すら知らんかった。

札幌はススキノのバーを根城にしている腕利きとも思えないハードボイルド気取りの３枚目探偵に大泉洋、その相棒に松田龍平、主人公をかきまわすヒロインに小雪、その他、西田敏行、田口トモロヲ、高嶋政伸、竹下景子、石橋蓮司、などなどの出演。

まあ、昭和の感覚でいえば二本立ての１本っていう感じの商品だね。それはそれで悪くないと思うんだけど、するってーと本編の上映時間１２５分はちと長いんじゃないのかね。90～100分（TVの2時間枠で放送するドラマ相当）でまとまっていたら良かったのにな。

依頼人からの軽い仕事を引き受けたつもりの探偵が警告を受けるかのように半殺しの目にあったことから、頼まれてもいないのに真相を色々嗅ぎまわり、次第に過去の殺人にまつわる事件の全貌が明らかになっていくという筋立て。

映画を見ていて不思議に思ったのは、依頼人が主人公に依頼した幾つかの「仕事」そのものにあんまり必然性がないんじゃないかということ。映画を見る限りでは、依頼人にとって自明のことばかりで、探偵を使って「確認」する意味がないように思われる。

仮にそうだとすると、今度は、依頼人にとっては第三者を事件に巻き込み、真相を知ってもらうことに意義を感じていたという解釈も成り立つ。が、それならそれで、依頼人が探偵にろくに説明をするでもなく、思わせぶりに翻弄することの意味が無い。ま、もちろん、こういう話では、主人公を思わせぶりに翻弄する美女がいなけりゃはじまらないっちゃあ、はじまらない。ジャンル特有のお約束ということで納得するしかないかもね。

不思議といえば、主人公たちが、写真を引換に田口トモロヲから金をもらうシーンがあるんだが、あれはトモロヲからの依頼で写真とデータを誰かから取り戻したのだろうか。カネのため、生活のため、主人公自らこっそりああいう撮影して恐喝するようなダーティな仕事もしているという描写なんだろうか。いや、おそらく前者だとは思うんだけど、後者に見えなくもないんだよね。ここは誤解のない描き方をしないと、主人公のキャラクターに関わる問題だと思う。

大泉洋演じるキャラクターには全くそそられず。なんかうるさいし。無能だし。少しは腕っぷしがきくのかもしれないが、「探偵」としての有能さを感じられないんだよね。ただし、暴行・乱闘シーンにせよ、雪に埋められるシーンにせよ、体を張って演じているところには好感をもった。ススキノのローカル・ヒーローという設定からも、現時点で他の役者は考えにくいのはわかるので、他の誰かのほうが良かったとまでは云わない。役者はこれでいいから、このキャラクターについて、「やるときはやる、やればできる子」なのか、「意地と根性と人間味はあるけど、仕事については単にダメな子」なのか、はっきりさせたほうがいいだろう。

次から次へと妙ちきりんなキャラクターが登場するので、こういうのはレギュラー化して回を重ねたら面白くなる要素かと思う。パイロット版としては及第点、TVでもなんでもいいから続編を作って練りこんでいけばいいんじゃないのかな。あと、高島政伸がアラン・リックマンみたいに変装して悪役を演じていたのでびっくりした。この人、こういう役もやるんだね。

Tree of Life

ツリー・オブ・ライフ（☆☆☆★）

Way of Nature か、 Way of Grace か。

ショーン・ペン扮する中年男が自らの少年期を回想するホームドラマというのであれば、誰にでもわかりやすい映画になるんだろう。が、宇宙、生命の誕生から説き起こす、生命の歴史とその行く末の中に、一家族の歴史における一断面を配置してみせるという大胆な構成によって、何か全く別の、敷居の高い作品になっているのは事実である。

こういう映画を全国津々浦々のシネコンに拡大し、騙すようにして観客を動員する手法は、最終的に誰も幸福にはしないだろうと強い危惧を覚える。ここ最近のテレンス・マリックの作品の中でも最も抽象度が高い作品である。

それはともかくとして、この映画は結局のところなんなのか。要は、行き詰まった世の中を、具体的な事象として家族のドラマ（説話）に代表させると同時に、その原因を、生命の誕生以来連綿と続く、あるがままの欲望に支配された 「Way of Nature」というあり方に求め、「個」を超越したより大きな世界観において「Way of Grace」を実践することでしか高次の段階に進むことができない、という悟りに導かんとする映像説法のようなものなのだ、と思えばよかろうか。

えー、「我欲を洗い流す」って、くそったれの石原某みたいで気に入らないのだけど、まあ、ある程度そういうことだろう。

ヨブ記などを持ちだしてくるからキリスト教的世界観に基づくものと誤解をしがちだが、だいたい本作の作りからして進化論が土台になっているのだから、そういう思い込みはよくないだろう。むしろ、 より根源的で普遍的に、今日を生きる困難や不幸と対峙するための思考を提示しようとしているはずである。

ホームドラマ・パートでの、素人子役を含む役者たちから演技を引き出してフィルムに定着させる力、なんでもない風景を魔法がかかったように美しく切り取る撮影、流麗な音楽に乗せて的確につないでいく編集のリズムとセンスは超絶的に素晴らしく、さすが、マリックだと思わせる。これは、映画館の暗闇で、最高の上映コンディションで鑑賞する価値があるフィルムである。まあ、あまりの心地の良さに眠気を誘われる可能性も高いので、万全の体調で望む必要があるのはいうまでもない。

それ以外、というか、天地創造パートとでもいうべきところは、およそ30年ぶりにダグラス・トランブルを引きずりだして作られたオールドスタイルの特撮も含んでいる。提示されるイメージ自体に新規性や驚きはないのだが、むしろ、これらの一連のシーンを、ネイチャー・ドキュメンタリーと同じレベルに感じさせる見せ方と、さりげないクオリティの高さであろう。

また、これはフィルムの出来栄えとは違った次元の話ではあるのだが、本作が『2001年宇宙の旅』を手がけた「特撮の神様」トランブルの参画を得たことは、本作が件のキューブリック作品に比肩しうるテーマの大きさを内包した作品であることを象徴的に物語っているようにも思われる。そういうことを考え始めると。「ドナウ」に対抗して「モルダウ」だったのか、などと、選曲ひとつについても深読みをしたくなったりする。もしかして、本当にそうなのか？

『シン・レッド・ライン』のように、美しい映像に延々と登場人物の内面を語るモノローグが被さってくるのに比べれば数段刺激的である。もちろん、プロットとかストーリーを中心に映画を観るのであれば、これはそもそもそういう類の映画ではないし、大胆といえば大胆、唐突といえば唐突な映画の構成に、それを面白がりながらも、反面、戸惑いを感じずにはいられない。先に書いたように、人生を思索する上においては大変魅力的で実験的な映像説法であると結論付けておくことにする。

Toy Story Toon: Hawaiian Vacation

ハワイアン・バケーション（☆☆☆）

『カーズ２』と同時上映された、「トイ・ストーリー」のキャラクターを使った短篇である。時間軸では「トイ・ストーリー３」の後日譚になっていて、新しい持ち主のもとにもらわれていったあとの話ということになっている。

持ち主一家がハワイでの休暇に出かけると、玩具たちは仕事から解放されて束の間の「休暇」を楽しめる。一方、愛すべきアホ・キャラであるケンは持ち主の荷物に紛れ込んで永遠の恋人・バービーと一緒にハワイで素晴らしい休暇を過ごすつもりで綿密な計画を立てていた・・・というのが発端で、いつもの仲間たちがケンの夢の計画を形にするために涙ぐましい奮闘をするというのが今回のストーリーである。

短い時間のなかによくもまあ、と思うほどに切れのあるネタを詰め込み、テンポよく笑わせ、おなじみのキャラクターたちが、前作以降も生き生きと暮らしている様を見せてくれる。「トイ・ストーリー」シリーズのファンサービス的な作品として、ほぼ完璧な出来栄えである。トム・ハンクス、ティム・アレン、ジョーン・キューザックらの主要なボイス・キャストが再結集していることも嬉しい。前作でバービーとケンの声を当てたジョディ・ベンソンとマイケル・キートンもきっちり続投してくれているんだよね。

その一方、これまでの短編作品が、実験的であったり、アーティスティックであったり、多様な個性を主張しながら笑わせたり泣かせたりしてくれたことを思うと、既に確立したキャラクターに頼った本作のような作品だけでなく、今後もいろいろな作品を見せて欲しいと思うのだが、さて。

ちなみに、トイ・ストーリーものの短篇は、すでにもう一本、バズ・ライトイヤーを中心にしていると思しき"Small Fry"が製作されており、ディズニーが北米で年末に向けて公開する"The Muppets"に併映されることが決まっている・・・って、えー、ジム・ヘンソンの「マペット」ものの権利って、いつの間にかディズニーが買っていたんだ（驚）

Transformers: Dark of the Moon

トランスフォーマー：ダークサイド・ムーン（☆☆）

あー、これでひとまず終わってくれる、というヘンな意味での安堵を感じるシリーズがあるとすれば、来年完結予定のトワイライト・サーガと、これ、トランスフォーマーが双璧。最初はそれなりの期待感を持って劇場に向かうも、スクリーン上で展開される惨憺たる狂騒に唖然とする。あるいは、そうなることを半ば予期していても、、一応、イベント的な観点から見ておかないわけにはいかない気がする。というわけで、わざわざ前２作をTV放送で見なおしてから劇場に足を運んだ。（いや、前作までのストーリーなんかスッカリ忘れていたよ。）

しかし、2D、 3D 両方とも見たうえで云うのだが、いやはや、これはゴミに例えるなら、ただのゴミではなくて、どうしようもない粗大ゴミの類だな。

さて、今回の話は、1960年代初頭に月の裏側に墜落した異星由来の物体をめぐり、月への有人飛行を目指すアポロ計画が立ち上がったという裏エピソードを起点とし、前２作では全く触れられなかったディセプティコンの巨大な陰謀、人類の存亡をかけて人類・オートボットとディセプティコンが激突するという筋立てである。クライマックスにはシカゴを舞台とし、延々１時間は続く大規模な市街戦が待っている。

月への有人飛行計画が急速に立ち上がり、その後、止まってしまった理由を異星人に関わる情報の隠蔽工作とする発端部分は、ピラミッドが太陽破壊装置だったという話よりは面白いし、実際に月に立ったバズ・オルドリンご本人を特別出演的に引きずりだしてくるあたりまではよいのだが、せっかくの歴史改変SFの趣も、その後の狂騒に急速に埋没してしまう。

いろいろ詰め込みすぎてよくわからなくなった前作よりはストーリーが整理されているが、それも気休め程度の話である。

このシリーズ、もともと機械生命体同士の争いと、国家や軍隊といったレベルの話と、高校生～新卒社会人程度の主人公と身近な人々の話をどのように絡めて一つにしていくかという部分が大きなチャレンジになっていたが、今回もそのあたりに無理やり感が漂っていて、成功しているとは言い難い。もっと頭を使って欲しいところだ。

意味もなく長尺のなる理由の一つが先に書いた3つのレベルの話をうまく練り上げられていないことであるが、他にも脱線やムダも多いのが、このシリーズの特徴である。今回はそれに加え、トラブルメイカーと化していたミーガン・フォックスを解雇した後遺症もある。新しいヒロインを導入するためだけのまどろっこしい手順やエピソードは見ているだけで疲れてしまう。

マイケル・ベイの演出は、さすがに3Dを意識したからか、カメラぶん回しや短いカットは減って見易くなった。が、止まることを知らず動きまわるカメラと笑えないコメディ演出は相変わらずである。注目の「3D映画」としてどうかといえば、確かに3Dカメラで撮影したショットも多いようだし、3D化が容易なCGIで描出したオブジェクトも多いため、急造の変換3D作品より「立体感」は感じられるのは事実である。そうはいっても、その使い方という意味では何ら新鮮な工夫はなく、全くもって面白くない。3Dに最適な演出のあり方はもっと深く追求されて然るべきだ。

この手の大規模で複雑なプロジェクトの陣頭指揮にあたって映画を完成させる能力も含めて「監督」の資質を問われるのであれば、本作の製作過程では大きな事故が複数回報じられているとはいえ、マイケル・ベイの才能を疑う理由は全くない。ただ、完成した作品が面白いかどうかは別の話だということは、まあ、改めていうまでもないことだろうね。


ところで、アニメ版での縁によるものというが、今回登場するキャラクター、「センチネル・プライム」の声をレナード・ニモイが演じている。それにちなみ、映画の前半でスター・トレック（TOS)のエピソードをTVで視聴しているシーンがあったり、主人公が車のギャラリーを「エンタープライズみたい」と口走ったり、「カーンの逆襲」における有名な台詞　"The needs of the many outweigh the needs of the few" 　をセンチネルに云わせたりするお遊びがあったりする。そういえば、今回はクレジットされていない前2作の脚本家コンビは、タチの悪いトレッキーだったな。

Thor

マイティ・ソー （☆☆☆）

『アイアンマン』シリーズ、『インクレディブル・ハルク』に続き、マーベル自身が自らのコミック世界を作品横断的に映画化する巨大プロジェクト（マーベル・シネマティック・ユニバース）、４作目にして３人目のヒーローは、『アイアンマン２』のラストで予告がなされていたとおり、北欧神話に題材を求めたファンタジー寄りの『マイティ・ソー』だ。（ソーは、Thor、トールの英語風カタカナ表記。）このあと、同じく『アイアンマン２』のなかで言及のあった『キャプテン・アメリカ』が待機中で、その次はヒーロー大集合の"The Avengers" の予定だという。どうせしばらくマーベル祭りが続くのだから、その都度出てくる新作を、ひと通り楽しんでおくのが吉だろう。

（地球を含む）９つの世界を束ね、平和を維持してきたアスガルドの王オーディンの息子、ソーは、偉大な父王の後継を約束されていたが、向こう見ずで傲慢な性格ゆえに長年の平和にヒビを入れかねないトラブルを起こし、能力を剥奪された上に王国から追放され、ニューメキシコの片田舎に落ちてくる。そのころ、ソーの義弟であるロキは兄への嫉妬から敵国と通じ、王座を手に入れようと画策をしていた。王国とソーの身の上に危機が迫る、、、という話。

本作のストーリーは、基本的にはファンタジー世界における陰謀と裏切りの宮廷劇である。もちろん、広い意味では悪から世界を救うスーパー・ヒーローの話でありつつも、「正義のヒーローが悪者や犯罪者をボコって治安や平和を維持する」話とは少々毛色が異なるものになっている。それが理由なのだろう、監督に起用されたのはケネス・ブラナーという変化球。シェイクスピア俳優として有名で、その映画化も多く手がけてきた英国的知性に、ある意味で筋肉バカなアメコミ映画を委ねるという発想が出てくるところが面白い。それに対し、大バジェットのVFX映画から他では経験できないものを吸収しようと貪欲に企画を受けるケネス・ブラナーも大したものだ。

映画の内容は、とりたてて何かをいうほどのものでもなく、昨今のマーベル映画の家族で楽しめる軽いノリを継承している。地球に落ちてきたソーの頓珍漢な行動や、こんなファンタジー系のヒーローに対する違和感みたいなものを自己言及的に軽いコメディとして見せるあたりの手際は良いし、一見筋肉バカでも血統なりの人の良さを素直に演じて見せるクリス・へムズワースも爽やかで嫌味がない。アクションもオーソドックスにきちんと撮れている。先行・並行するマーベル映画世界と絡む細かいネタも盛り込まれており、気がつけば気がついただけニヤッとできるかもしれないし、逆に、商売っけを感じてうんざりするかもしれない。それが仕事とはいえ、こういう商業作品をさらっと撮れるケネス・ブラナーの器用さには驚かされるし、続編の監督を断る気持ちも十分に理解できる。

神話的・宇宙規模のスケールと言っても所詮CGI、セットにもカネがかかっているのだろうけれど、作り物の安っぽさは否めない。地球での舞台はニューメキシコのしょぼい田舎町、へんてこりんなロボット一体を撃退するだけなので、なんだかちっちゃな映画のように思えてしまう。"The Avengers" に向けた顔見せ、前座だと割りきって楽しむのが良いだろう。例によって一番最後にサミュエルL・ジャクソン登場の、"The Avengers" に向けた予告が入っている。また、劇場によっては、上映前の予告編で、ジョー・ジョンストン監督による『キャプテン・アメリカ：ザ・ファースト・アベンジャー』も観ることができるかもね。ｊ

Tangled （Rapunzel）

塔の上のラプンツェル（☆☆☆★）

記念すべきディズニー・クラシック50作目の本作。ラセター体制に完全に移行してから 3本目。

こんなレベルの作品を見ると、一時期のディズニーの低迷は、本当に何を作って良いのか分からなくなってたのだろうな、と思わずにいられない。やるべきことがわかっているとはこういうことなんだろう。3D・CGI では初のお伽話＆プリンセスもので、しかも、ミュージカル。内容面でも新機軸がいろいろある。しかし、それでもなお、これはディズニーが作るべき映画に思えるし、ディズニーじゃなきゃ作れない映画に見える。しかも、21世紀の新しいディズニーを感じさせるのだから、もういうことはない。

邦題で明らかなように、本作はグリム童話をモチーフにした作品だ。・・・が、例によって自由に、大幅な脚色がなされているあたりもディズニーの(悪しき？）伝統に則ったもの。揶揄気味にいってみたが、それは、本作に関していえば、決して悪い意味ではない。塔の上に幽閉されていた少女が、「母親」の呪縛を振り切って未知の世界に足を踏みだす自立の物語として再構成された21世紀のラプンツェルは、今という時代に受け入れられる物語になったと思うし、現代を生きる「女の子たち」に積極的に見せたいと思えるお話しになっている。時代に合わせた姿を模索してきた「ディズニー・ヒロイン」は、ここにきて、また一歩新しいステージに到達した。

日本のアニメーションからの影響は顕著である。まず何よりもキャラクターのデザインだ。ヒロインの目が大きく、日本的な感覚で見ても「可愛い」ことがあげられる。自由を求める気持ちと、良い娘として母親の言いつけを守りたいという相反する気持ちに引き裂かれて悩むヒロインの表現も、日本のアニメではよく見る定番ギャグの表現を咀嚼した結果だろう。垂直方向を活かしたアクション、屋根を飛び移る馬、塔の上のお姫様をさらう泥棒、といった宮崎駿オマージュもいっぱいである。そうした要素が（一時期のディズニーが平気でやっていたような）剽窃とは違ったレベルで表現されているのが好ましい。

一方で、マスコット・キャラクター的なカメレオンや、犬のような振る舞いをする馬といった動物キャラクターは、いかにもディズニーといった手慣れた感じがでている。なにより、ディズニーらしいといえば、ミュージカル・シーンだ。CGアニメーションに転換後は初めての試みだが、ブランクを感じさせない安定感は、やはり伝統のなせる技だろう。「母親」がヒロインを言いくるめようと歌うナンバーや、酒場で荒くれ者たちが夢を語るナンバーのシークエンスは、さすがにミュージカル・アニメーションとしての力があり、見応えも、聴き応えもある。「母親」役のドナ・マーフィの歌唱力も高い。ただし、アラン・メンケンによる楽曲全般についていうと、アベレージが高い彼の仕事の中では、平凡な部類に入ってしまうだろう。

CGIの技術では水だの髪だのといった従来難しいとされていたものの表現が格段に上がっているのを感じさせる。しかし、それよりなにより、人間のキャラクターの扱いや描写、表現の進歩である。ある程度マンガ的に誇張されているとはいえ、キャラクターの繊細な表情や感情表現などをかなり高レベルでこなしている。人間キャラクターの描写については昨年の『トイ・ストーリー３』も含め、ここまでできるようになったという点に感心するとともに、そうなると、次に問われるのは演出力、ということになるだろう。

3D字幕版での鑑賞。やっぱり、そこはほら、「ミュージカル」だから、オリジナル言語で聴きたいわけで、上映場所、回数が限られているとはいえ字幕番の上映をやってもらえないと困るのである。３Dでは空を舞うランタンが幻想的に美しい。奥行きだけではなく飛び出す効果も含めた演出もあって楽しいので、どちらかといえば３Dでの鑑賞をオススメしたい。北米タイトルは Tangled （もつれている）だが、字幕版の冒頭では Rapunzel と出た。こっちが international title なのだろうか。

True Grit

トゥルー・グリット（☆☆☆★）

コーエン兄弟の映画は、面白かったにしろ、つまらなかったにしろ、いつも騙されたような気分になる。テクニックが先行して、魂が入っていないというか。体温が感じられないというのか。なにかテーマがあるようにみえて、どこか、はぐらかされたような気にもなる。そんなものは映画を撮るための口実に過ぎなかったんじゃないか、と感じてしまったりもする。

物語も、キャラクターも、題材そのものも、突き放した感じの客観的な視線、といえばそうなのかもしれないが、全てが自身の技術を見せびらかすための材料でしかないような印象を受ける。まあ、私がそういうふうに感じてしまう映画作家ってのは他にもいるのだが、コーエン兄弟はその代表のようなものだ。巧いなぁ、面白いなぁ、と思いながら、信用してなるものか、心を許してなるものか、と警戒しながら作品をみているところがあったりする。

そのコーエン兄弟の新作が、西部劇だという。なんだか知らないが評判が良く、本国では興行的にも大成功を収めているというし、名義貸しだかなんだかしらないが、スピルバーグの名前までクレジットされている。いったいどんな映画になっているのだろうかと興味がそそられないわけがない。震災から１週間しか経っておらず自粛、外出控ムード漂うなか、いそいそと映画館に出かけた。しかして、その出来栄えたるや、いかに。

・・・やっぱり、さすがに面白いのである。でも、どこか、なんか騙されたような気がしないでもない。

本作はジョン・ウェイン主演の『勇気ある追跡(1969)』のリメイクである。というか、同じ原作の２度目の映画化、とでもいうのか。開拓時代の米国。西部には、まだまだ法の目や秩序の及ばぬフロンティアが広がっていた時代が舞台である。（それや、「西部劇」なんだから当たり前か。）父親を殺して逃げた男に復讐を誓う少女が、腕利きと評判の保安官を雇い、僅かな手がかりをもとにして、先住民居留地の奥、荒野へと向かう。保安官にジェフ・ブリッジス、同じ男を違う理由から追跡してきたテキサスレンジャーにマット・デイモン、件の仇にジョッシュ・ブローリンが扮している。そんな中、強烈なキャラクターで大人の俳優たちを喰ってしまったのが、中心となるしっかりものの少女を演じたヘンリー・スタインフェルドである。アカデミー賞では「助演女優」賞の候補になっていたが、この物語の実質的な主人公であり、事実上、立派な主演女優である。

旅の道中にはコーエン兄弟らしい人を喰ったユーモアも散りばめられ、どこかオフビートな風情もあって、思わず笑ってしまうこともある。そうはいっても、彼らがやりがちな悪ノリにちかいオフザケはみられない。クライムものを撮っているときほどダークだったり、ハードだったりはしないが、それにしても正々堂々、正攻法で臨んでいるように見える。アクションを交えながら語られるのは、自らの責任においてなすべき正義とその代償について、である。また、それを懐深く見守る大いなる父性についての物語である。

強く、賢く、自立した少女。追い詰めてみれば、チンケな小悪党に過ぎない仇。思いもかけない対決の行方とその顛末。むしろ、復讐を成し遂げたあとに訪れるクライマックス。目的は果たされたのかもしれないが、あくまでビターな物語の結末。エピローグがもたらす余韻。

なんだか、伝統的な米国の価値観を、現代的な視点から再構築することを意図したかのような作品である。キャラクターの解釈や造形には明らかに現代という時代を踏まえたフィルターがかかっているのにもかかわらず、底辺を流れている米国的な価値観には揺るぎがない。そこで考えてしまうのだ。これは作り手の本音なのか、そういうフリをして見せているだけなのか、と。深読みをしたくなるようなとっかかりがあちこちに用意されている。が、それもどこまで意図したものなのか、単に思わせぶりなだけなのか、よくわからないところがある。まあ、こちらの先入観がそう感じさせるだけなのかもしれないが。

騙されたような気分はさておくとして、昨年アカデミー賞を受賞して絶好調なジェフ・ブリッジスがみせる貫禄の演技を堪能するだけでも損はなく、本作を本格西部劇たらしめているロジャー・ディーキンスの撮影も見事。コーエン兄弟作品のなかではとっつきやすい作品なので、普段は避けて通っている人にもおすすめできるんじゃないかと思う。

The Town

ザ・タウン（☆☆☆★）

地元の狭いコミュニティで、代々当たり前のように銀行強盗を繰り返しているグループの実行犯のリーダー。成り行きで人質にとったのちに開放した銀行職員の女性が近隣の居住者であることを知り、念のため様子を伺うことにして近づいたところが、次第に女性との交流が深まっていき、今いる場所と生き方を捨て、彼女と共に新しい人生を始めたいという思いが強まっていく。しかし、義理、人情、周囲のしがらみがそれを許さない。FBIの捜査の手が迫る中、レッドソックスの本拠地フェンウェイパークを舞台に最後の大仕事が始まる。

まあ、有り体に言えば、組織を抜けて堅気の女と一緒になろうと夢見るヤクザの話、のようなもんか。

ボストン出身で、デニス・ルヘイン原作の『Gone Babe Gone』 で（日本では劇場未公開ながら）見事な監督デビューを飾ったベン・アフレックが、再び勝手知ったる地元を舞台にした犯罪ドラマを手掛けた。本作の舞台となるCharles Town は、同様にボストン市街の周辺部に位置する South Boston (『The Departed』, 『Good Will Hunting』 の舞台）, Dorchester (『Gone Baby Gone』 の舞台） と並んでガラの悪い、あまり治安の良くないイメージのある場所だ。本作中、刑務所内で3つのエリア収監者での覇権争いがあるというような台詞があって、そんなものかと納得してしまっていいのやら、どうなのやら・・・・と思っていれば、エンド・クレジット前の申し訳なさそうなexcuse に笑いを禁じえず。そうだよね。

この映画、派手なイベント映画ではないが、ドラマに見応えがあるし、アクションもいい。前作ではあまり大掛かりなアクション・シーンはなかったが、本作は冒頭の銀行強盗のシーンに始まり、市街地でのカーチェイス、クライマックスでの大銃撃戦などが盛り込まれ、低予算ゆえの「リアル」な撮影が迫力を増している。アクションシーンは長尺版よりも短くカットされているというが、劇場公開版でも物足りなさは感じない。特にカーチェイスはよくできていて、米国の街にしては欧州風でもあるボストンの狭い路地でのアクションは見応えがあった。フェンウェイでの銃撃戦もかなり壮絶だ。お手本にしたらしいマイケル・マンの『ヒート』風味を感じさせる。

キャスティングがいい。役者の実力が十二分に引き出されている。恐るべき花屋のオヤジを演じるピート・ポスルスウェイトの貫禄、幼馴染の兄弟分を演じる単細胞で凶暴なジェレミー・レナーの化けっぷり、その妹で主人公の愛人状態になっているブレイク・ライブリーの安い崩れっぷりと色気なんかは特にいい。役者の力を借りながら、映画で描かれていない、もしくは公開版からはカットされてしまったキャラクターの背景や厚みをにじみ出させることができている。ベン・アフレックの映画にまつわるエピソードでは、前作でも「ところで君、一体ボストンのどのあたりの出身なの？」と勘違いされるほどに「訛り」をマスターしてくる役者がいたのだが、本作でもまた同様、カリフォルニア育ちのブレイク・ライブリーの真に迫った訛りっぷりに本気を見る。

俳優としてのベン・アフレックは不思議な人で、CIAの分析官、などという頭のよさそうな役を演じると阿呆っぽく見えるのに、地元のチンピラというような頭の悪い役を演じるとどこか賢く、格好良く見える。本作における彼は後者。ジェレミー・レナーと比較すると顕著で、吹き溜まりの中で一人だけ、格段に理性的に見えてしまうのである。実はそこが本作ではうまく効いていて、かつて街を出るチャンスをモノにしながらふいにした経緯や、家庭の事情などのバックストーリーが明らかになるにつれ、この男が「よそもの」である女性に惹かれ、人生をやり直したいと願う気持ちの切実さが伝わってくる。

この映画のエンディングは原作とは異なるが、この改変が許容範囲だと感じられるのは主人公のキャラクター、ひいてはベン・アフレックの個性ゆえだろう。脚本を書いた出世作『Good Will Hunting』 では街に残って見送る側だったアフレックだが、ここにはあの作品のエンディングのテイストも遠くで二重写しになっているように思えたりもするのである。

Tron Legacy

トロン・レガシー（☆☆☆）。

なんと、28年ぶりの、正統な続編である。独立した映画として楽しめる作りに放っているが、ストーリーは前作の後日談であるし、前作で主演を務めたジェフ・ブリッジスが、新しい技術の助けも借りながら、年を重ねた現在の姿と若かったかつての姿の両方で登場。様々なレベルで前作と前作を生み出した時代に対する敬意がきちんと払われており、そうした作り手の態度はある種、感動的ですらある。

同時に、この作品には、単なる続編というだけでない違った意味合いを感じさせられる。それは、28年前にやりたくても技術的にできなかったこと、「こうであるべきだったヴィジュアル表現」を、今の技術で実現して見せる映画、としての製作意義である。前作はCGIを全面導入するということで大変な前評判を呼んだけれども、技術や予算の関係上、単なる普通のアニメーションでお茶を濁さざるをえないシーンも多かったと聞く。また、先端的でインパクトがある映像ではあったが、それを生み出す映像技術は、作り手のイマジネーションに追いついていないように感じたりもしていた。

本作は、前作が確立したアイディアを土台に、あの時代に空想された（懐かしい）未来的イメージ、レトロ・フューチャー感を今日的な感覚でまとめあげたデザイン・ワークが大変に素晴らしい。また、ヴィジュアル表現と音響効果・音楽がひとつに融け合って、とても見応えのある映像作品になっている、と思う。本作は音楽担当に売れっ子のダフトパンクが起用され、劇中に顔（？）を出してさえいるのだが、音楽作品として割と独立した存在になるのかと思っていたら、映画が表現する世界の欠くべからざる一部として統合されたものになっているところがいい。これを映画館の暗闇で体験することは、それだけでなかなか満足度が高い。また、本作は３Dのみで公開されたが、そこに対して過度に期待した観客は肩透かしを食らったかもしれない。３Dによる何か革新的に新しい映像表現というより、映像世界への没入感を高める意味合いのほうが強いように感じられる。

前作でも指摘されたことの繰り返しになっているのが皮肉であるが、ヴィジュアル面に比べるとストーリーは必ずしも強くない。また、30年近くのあいだにコンピュータ世界、仮想世界をテーマにしたSFや娯楽作品がたくさん登場したこと、一般的な観客の理解度も大きく変わったことで、どちらかといえばファンタジー寄りな本作の設定を子供騙しだと感じる観客もいるのだろう。しかしそれをとやかくいうのは無粋じゃなかろうか。前作にしたってもともとファンタジー要素の強い作品なのだから、「ウサギの穴に落ちて不思議の国に行きました」と同じタイプの作品だと心を広く持つ方が楽しめるはずである。

ともかく、音響の優れた劇場で体感するのが本作の一番よい楽しみ方なので、迷っているくらいなら劇場へ。前作を知っているのなら迷わずにお勧めしたいんだけどな。

Toy Story 3

トイ・ストーリー３（☆☆☆☆）

最初の『トイ・ストーリー』が公開されたとき、「とりあえずフルCGIアニメーションで作ってみました」というようなエクスキューズなしの仕上がりに驚き、感心させられた。なによりストーリーが面白かったし、キャラクターが生きていた。その後、『バグズ・ライフ』を１本はさんで公開された『トイ・ストーリー２』には感嘆させられた。目に見えてレベルが高くなったCGI技術、笑いと涙のバランスがとれた脚本の巧みさ、演出の的確さ、細部への徹底したこだわり、そしてなにより１本の映画としての充実度と完成度。あのときの衝撃はまるで昨日のことのように覚えている。

その前作のリリースが1999年だったから、10年以上が経ったわけだ。この間にはいろいろなことがあった。

なにより、ピクサーがディズニーに吸収されるかたちながら、事実上、母屋を乗っ取ったのは大きい。あれがなければ、ピクサーと手を切ったディズニーがシリーズの続編を勝手に作っていたはずである。本作がピクサーの作品として完成したことを心から嬉しく思う。また、この間、ピクサーは、7本の長編作品を、それぞれ驚異のクオリティで作り上げ、ヒットを飛ばし続けてきた。CGI技術も、水や毛や重力の表現に始まり、人間のキャラクター描写というチャレンジを試みるレベルになってきている。演出面においても、アニメーションであるという枠組みを超え、映画として、ひとつ高い次元に到達しつつある。ラセターという一人の作家だけでなく、「チーム」・ピクサーとして、安定した品質で作品を作り続けるノウハウも確立したといっていいだろう。

そんな10年を経て作られた、ピクサーの象徴たる『トイ・ストーリー』の続編である。絶対にハズさないだろうとは思っているが、さりとてどんな作品になるのか、期待半分、不安半分で待っていたところ、作り手たちは、この10年という月日を、そのまま物語に織り込み、3本をまとめ、ひとつの大きな物語として完結させることを選択したのだった。続編ではなく、大きな物語の終章。賢いね。簡単そうでいて、なかなかできない発想の転換、これが本作を成功に導いた鍵だと思う。

主人公たちの持ち主であるアンディ少年も成長し、大学に通うために家を出るというのが今作の発端である。そして、『２』のときに語られた「玩具と持ち主の関係」、「玩具としての幸せは何か」というテーマを、もう一歩、深くつきつめていく。

まあ、そういう意味で言えば、テーマ的には前作で一度扱ったものの焼き直しである。が、前作で、いつか必ずくるであろう「別れのとき」を覚悟しながら、いったんは持ち主の元に帰ることを選んだ主人公、ウッディが、いよいよ「その時」を迎える話しである、と思うと、合点がいくし、感慨も深い。センチメンタルに流れがちな設定だが、そこはピクサー、脱獄ものの要素を取り込んだアクション・アドベンチャーとしてストーリーを練り上げてきた。大技小技から爆笑必至のギャグに至るまで、実によくできていると思う。しかし、その一方、致し方ないことと承知しつつも、「悪役」を必要とする物語の構造は安易だとも思っている。（まあ、悪役の描き方も前作以上に深みがあって、そういうところに手抜かりがないのもまた、ピクサーらしい仕事ではある。）

前作からの技術的な進歩はありとあらゆるところに及んでいる。（なにしろ３Ｄだ。）しかし、一番大きく進化したのは人間のキャラクターの表現だろう。キャラクターのデザインも（1作目、2作目に比べて）可愛くて親しみやすいものへと変わっているのだが、それ以上に、見せ方、演出のレベルが格段に高くなった。もちろん、ここ数作、ピクサー作品では人間キャラクターの扱いがひとつのテーマになっていたとは思うが、本作は明らかにひとつの到達点である。本作の肝でもある「別れ」のシーン、まさか、『トイ・ストーリー』なのに、人間キャラクターの「芝居」で泣かされるとは思いもよらなかったな。必見。

Taking of Pelham 123

サブウェイ １２３　激突（☆☆☆）

当方、巨匠扱いの兄リドリーよりも好きなのは弟のトニー・スコットである。その新作が『クリムゾン・タイド』、『マイ・ボディーガード』、『デジャヴ』に続く、デンゼル・ワシントンとの４度目のタッグになる本作『サブウェイ１２３　激突 』である。1974年作、ジョセフ・サージェント監督の『サブウェイ・パニック』の現代版リメイクにあたる。脚色を手がけたのは期待を抱かずにはおられない名前であるけれど、ハズレも少なくないブライアン・ヘルゲランド。

すでに様々言われているように、やはり「名作」のリメイクはいろいろな意味でハンディを負っていて、常に比較され、出来損ないの烙印を押される運命にあるのだろう。また、トニー・スコットが近作で好んで用いるカチャカチャした映像スタイルに対する生理的嫌悪感であるとか、拒否反応のようなものも強いのは理解できる。（もちろん、このスタイルを過度に褒めるつもりもないのだが、あまたいるフォロワーに比べれば、トニー・スコットは数倍洗練されていると思う。）しかし、公平に見たときの本作は、できの良いところも悪いところもいろいろあるのだろうけれど、娯楽映画の水準作には仕上がっていると思うのである。

問題は、２つ。ヘルゲランドの脚色とトラボルタ、である。

ヘルゲランドは犯人グループの目的を身代金ではなく、金融市場操作においた。昨今注目を浴びる金融問題を映画の空気に取り込むことを目論んだわけで、これはこれで優れた発想だが、狙いほどにはうまくいっているとは思えないのである。市場を動かすために事件を起こして大儲けをはかるというやりくちは、『カジノロワイヤル』の悪党もやっていたことだが、そこでも首謀者と実行犯は別人であった。市場操作が目的であれば、元々金融マンであった悪役の男が選ぶ手段は「地下鉄ジャック」になるだろうか、また、実行犯としてそこに自らの身を置くだろうか、という点について、説得力が弱いだろう。また、映画だから、といえば流しても良いと思うのだが、いくら土地柄を考えに入れても、「地下鉄ジャック」程度の事件で短期間に市場全体にインパクトを与え、映画の中のような資金のシフトを引き起こすことが出来るとは思えないのも弱いところである。

トラボルタもまた、ヘルゲランドによる「説得力の欠如」を補うだけの演技ができていない。まあ、それはどう考えても難しい仕事だと思うのだが、最近は『ボルト』の声だの、ボディスーツと特殊メイクによる『ヘアスプレー』の母親役だのと、あまり目立った活躍のなかったトラボルタであるが、それゆえなのかどうか、どうにもこうにもハシャぎ過ぎである。これでは「市に恨みを持った冷酷な知能犯」でもなんでもない。支離滅裂で危険な狂人、である。

しかしこれに対するデンゼル・ワシントンは本当に素晴らしい。このところ悪役やグレーな役を積極的に演じ、精錬潔癖な良識あるヒーローというイメージに縛られがちなキャリアの幅を意識的に広げてきているのはご存知のとおり。今回の脚色における一番のひねりであり、一番成功している部分は、デンゼルが演じる収賄を疑われて左遷されている地下鉄職員というキャラクターだと思っている。「真面目に勤め上げてきたよき父でありよき夫」の部分はいつものデンゼルの延長線上だろう。しかし、一件実直な男が、実は影で汚職に手を染めているのか、それとも単なる濡れ衣なのか？という点において最後まで予断を許さない曖昧さを残してみせるさじ加減がすごいではないか。いつもよりだらしなく増量した体もいい具合にリアルである。

トニー・スコットは、悪ふざけが過ぎてバランスが壊れた（が、それゆえの妙な魅力が捨てがたい）『ドミノ』の反省もあってか、今回、実は地味になりがちな題材に、適度に派手なアクションをはさむなどして娯楽大作らしいスケール感を付与しつつ、１２１分、長すぎない尺のなかで緊迫感の途切れさせないきっちりとした商品に仕上げている。傑作とまで持ち上げるつもりはないのだが、このレベルの良質な娯楽映画がコンスタントに封切られてくれると嬉しい、とは思うものである。

Taken

96時間 (☆☆☆★)

しばらく見かけないと思っていたら、時ならぬリュック・ベッソン祭りである。本作を含め、リュック・ベッソン（製作・脚本）＆ヨーロッパ・コープによる仏製香港映画が短期間に４本集中公開というのだからビックリだ。『トランスポーター３』はイマイチだったが、こっちは滅法面白い。ベッソンもののなかでは、出来のよかったジェット・リー主演作に並ぶ良作ではないだろうか。


話は単純である。未成年の娘が旅行先のフランスで誘拐され、一件して普通の冴えないオヤジに過ぎないが、実は凄腕の元CIAエージェントである父親が９６時間以内に娘を連れ戻すため、尋常ではない覚悟で悪者どもを追い詰めていくのである。舞台はパリであるけれども、東欧の貧しい国にルーツをもった地下組織が、若い女性を薬漬けにして売春婦に仕立てるというあたりは、ロンドンを舞台にした『イースタン・プロミス』にも通じるところがあって、あながち絵空事ではないに違いあるまい。故国から女たちを騙してつれてくるよりは、バカでガードの低い未成年旅行者を手っ取り早く誘拐するほうが理にかなっているという説明に、なるほどね、と感心してしまったじゃないか。

原題は『Taken』・・・連れ去られた、ということだ。劇中で、このような犯罪のケースでは通常、９６時間以内に被害者を発見できなければ、永久に見つからないという説明がある。邦題『９６時間』は、この（ある種の）タイムリミット、運命の分かれ道に由来するものである。

この映画、確かに単純な話ではあるのだけれど、元エージェントという主人公が、わずかな手掛かりから犯人グループに迫っていくあたりの手口を見せるあたりがとても新鮮で、面白い。それより何より、「娘思いの冴えないオヤジが実は凄腕」というキャラクターに、リーアム・ニーソンなどという重量級の役者をキャスティングしたセンスがすばらしい。B級娯楽アクションの荒唐無稽な話のはずが、このキャスティングのおかげでグッと現実寄りに引き寄せられ、なんだか、まともな社会派映画をみているような気分になるのが驚きのマジックだ。リュック・ベッソンらしからず、珍しく脚本の構成や段取りがうまくできているのも成功要因のひとつであろう。冒頭の短い時間で主人公の娘に対する強い気持ちと、実のところは元CIAエージェントであるというキャラクターの説明を、自然な流れのなかできっちり描けているから、あとは娘を救うという大義名分を盾に暴走する主人公に違和感を感じることなく感情移入できるのである。

ピエール・モレルという監督、『トランスポーター』や『ダニー・ザ・ドッグ』といったベッソンもののなかではマトモな作品の撮影を担当し、『アルティメット』で監督デビュー、本作が２作目である。撮影監督らしく無駄がなくタイトであるが、映像的な見せ場はきっちり心得ているし、アクションの撮り方でも変にスタイリッシュぶったりしなでオーソドックスであるところに好感が持てる。この人は、派手な映像やアクションが映画をひっぱるのではなく、キャラクターのエモーションがストーリーをひっぱるのだという、とても単純な真実を分かっているのではないか。そういった意味で、このひと、今後が楽しみな監督だ。

Transporter 3

トランスポーター３　アンリミテッド（☆☆）

リュック・ベッソン（製作・脚本）＆ヨーロッパ・コープが次々送り出してきた仏製香港映画とでも呼ぶべき軽量B級映画群のなかで、私が一番面白いと思っているシリーズが『トランスポーター』だ。これも回を重ねて３作目、本作のエンディングから判断するに、これでいったん終止符を打つことになるのだろう。残念ながら、それも致し方あるまい、という出来栄えである。１作目のコーリー・ユン（おお、まさに香港映画人！）がシリーズの基調を作り、後に『インクレディブル・ハルク』で成功を収めるルイ・レテリエが、荒削りながらB級娯楽作らしいダイナミックなアクション演出を披露したところで、今回の監督はオリビエ・メガトンへとバトンタッチ。まあ、そもそも監督云々で見る映画ではないのだが、せっかく肉体を張ったアクションが出来る役者を使いながら、編集でガチャガチャごまかすタイプの演出で、肝となるファイトシーンが台無しである。

しかし、３作目の今回、一番ダメなのは、監督の演出スタイルなんかではない。これまでにもまして知能指数の下がった頭の悪い脚本だろう。リュック・ベッソン製作・脚本の作品群を「仏製香港映画」と呼ぶのは、ジェット・リーと相性がよかったとか、マーシャルアーツを取り入れているとかいうことでなく、「そもそもまともに脚本を用意しているのか？」という侮蔑を、その昔、盗作を恐れてまともな脚本なし量産されていた香港映画になぞらえていっているつもりである。つまり、最初から精緻で観客をうならせるような脚本なぞ、これっぽっちも期待しちゃいないのだが、今回の脚本は、こちらの（存在するとはいえないくらい低い）期待値をさらに余裕で下回ってくれるから恐れ入る。悪役が、自分の目的を達成する上で、こんなまどろっこしい手段をとらなくてはならない理由がさっぱり理解できないのだから、見ていてバカらしくなってくる。

魅力のないヒロインの造詣も、この手の映画においては致命的であると思う。もともとベッソンの好むヒロイン像というのが偏っているというのは過去の作品を一通り見ていればわかることで、一般的な意味合いにおいて「魅力的」なヒロインを期待するのは間違いだとは思っている。しかし、今回、このキャラクターは魅力以前の問題で、みていていらいらするし、腹立たしいばかりである。キャスティングされたナタリア・ルダコヴァの演技（だけでなく容姿）にも問題があると思うが、そもそも脚本が悪いこと、女に興味がないとでもいわんばかりに単調な演出も酷いものだ。このキャラクターに対して、主人公が（最終的には）恋に落ちる理由が全く理解できないのだから、そういう観点からも、作品として破綻しているといわざるを得まい。

Transformers: Revenge of the Fallen

トランスフォーマー　リベンジ（☆☆）

本作の試写を見た製作総指揮に名前を連ねるスピルバーグが、もしかしたらマイケル・ベイの作品の中で一番いいじゃないか、と述べたという。しかし「マイケル・ベイ」のフィルモグラフィに並んだゴミ屑のような作品の中で最高、っていうのは褒め言葉になっているのだろうか、と心配になってしまったりもするのである。

さて、前作の(予期せぬ）特大ヒットを受けて製作された本作は、続編の作り方としては呆れるくらい古典的なアプローチに則っている。"Bigger and Louder"、つまり、スケールはとにかく大きく、物量は大量に投入して、爆発もアクションもお笑いもお色気も、とにかくたっぷりと大増量、というやりくちである。ある種の局地戦といえた前作の部隊を全世界規模に拡大し、世界各地で大バトルが繰り広げられる。機械生命体同士の戦いは人類の存亡をかけた戦いへと変貌し、新旧大量のトランスフォーマーだけでなく実在する兵器も惜しみなく投下し、挙句の果てにはピラミッドまでぶち壊す。唐突な漫才があるかと思えば、無駄なお色気シーンや下ネタも特盛状態の2時間半だ。こうしたアプローチの「続編」では仕掛けの大きさに反比例して中身がどんどん薄くなるのが通例だが、もともと前作も「中身」で評価されるような作品でないから心配は無用だろう。とはいえ、スケール拡大に伴い、オートボットと共闘する「米軍」が、地球防衛隊よろしく世界中に出張して、勝手に戦闘と破壊を繰り広げるという政治的にどうかと思われる能天気な描写や、軍人が常に正しくシヴィリアンは無能だというある種の作品では良く見られる類型的な描きかたがなされていることの背景にある「思想」については、お気楽な娯楽映画であるといってもいかがなものか、と思うものである。

マイケル・ベイという監督は、何をどうやっても揶揄の対象にしたくなるような作品しか作ってくれない人なのだが、映画らしいスケールとハッタリの効いた「画」を撮れるセンスを持っていることだけは確かである。例えば先日鑑賞した『スター・トレック』の J.J.エイブラムズの画面作りが徹頭徹尾テレビ・サイズでみみっちいことに比べると、大きな有意差が認められることだろう。作品として優れているか、面白いかということとは別に、わざわざ映画館に足を運ぶことで、それなりの爽快感というか、満足感のようなものは感じることができるのがこのひとの強みだということを、今回、改めて再確認できた。

ただ、このひとに決定的に欠けているのが、「画」を組み立ててつなぎ、ストーリーを語る技術なのである。少なくとも、簡潔に効率よく物語を語る技術については決定的に欠落している。「トランスフォーマー好き」であれば違った楽しみ方もあるとは思うが、そうではない単なる映画好きの立場から言うならば、前作も、本作も、９０分から１００分程度にまとめることができていたらかなり面白い作品になっていたんじゃないかと思う。しかし、いつもながら、たいした内容でもないのに2時間半近い尺でダラダラやるのがこの人の流儀であり、限界なのである。画面では派手に、常に何かが行われているのだが、見方を変えれば緊張感もなく、退屈で、弛緩しきった時間が流れているだけ。いくら物量を投入して派手に爆発させようとも、欠伸の一つや二つもでてしまう。

毎度のことだが、本筋と関係ないようなシーンをたくさん挟み込んで、それをストーリーの「緩急」と勘違いしているのにも閉口させられるし、ある一連のシーンで語られるべきストーリーの本質を分かっていない演出と編集で、無駄な描写にダラダラと尺を使うのも勘弁して欲しいところである。本作でいえば、ストーリーから乖離した「笑えないお笑い」や「サービスたっぷりのお色気」が、唐突に、しかも反復されて挟み込まれるときのギクシャク感。クライマックスとなる砂漠での戦闘シーンとて、シャイア・ラブーフ演ずる主人公が危険を省みずに戦場を突っ切り、味方部隊の背後に安置されたオプティマス・プライムの亡骸を目指すという核となるストーリーを掴んでいたら、あんなにダラダラしたものになるはずがない。人物や部隊、戦闘の位置関係や全体状況を「画」で見せて簡潔に説明することすらできないのは、この男がストーリーテラーとして３流であることの証でしかない。結局、本作をみるということは、そういう分かりきった事実を再確認するだけのことである。

Terminator Salvation

ターミネーター４(☆☆☆)

邦題の「4」って、、、なんだか安っぽいな。一昔前なら、主演俳優も交代し、タイトルだけかりてきたような安っぽいホラー映画みたいな雰囲気を感じてしまう。『バタリアン４』とか、ね。。

そう、1984年、低予算で作られた1本のＳＦアクション映画が、ここまで大きな「サーガ」へと変貌を遂げるとは誰も、作り手さえも想像しなかったはずである。件の作品は、閉じた時間の輪のなかで完結した運命を巡る物語であった。1991年、1作目とは比べ物にならない金銭と物量を投じて製作された2作目は、結局のところ、「未来からやってきた殺人マシーンと死闘を繰り広げる」というプロットの再利用に過ぎないのだが、「未来は変えられる」ものだとして、「審判の日」を回避するための戦いが描かれた。これは重大なタイム・パラドックスを生むことになったが、物語としてはクリエイターであるジェイムズ・キャメロンが意図したとおり綺麗に完結していた。しかし、 2003年になって3作目が作られ、結局、機械と人間の最終戦争が始まる。それは2作目の結果生じたタイム・パラドックスを解消するといえば聞こえはよいが、2作目で描かれた物語の意味を消失させる暴挙でもあった。またしても「未来からやってきた殺人マシーンとの死闘」というプロットが既視感たっぷりに繰り返されるから、作品はお笑いと化した。

本作は、３度まで繰り返された「未来から来た殺人機」というプロットから離れて、これまでの作品中で幾度も言及されてきた、全ての発端としての「未来戦争」を描いている点で、フランチャイズとして野心的かつ新しい第１歩を踏み出している。ちなみに、ここで描かれるのは、1作目の前日譚としての未来戦争ではなく、2作目、３作目と様々な歴史改変を経て、しかし回避することのできなかった「審判の日」以降であるから、『スター・ウォーズ』の新三部作が後の時代につなぐための辻褄あわせに終始せざるを得なかったような「窮屈さ」から開放され、事実上、何でも起こり得るといってよい。物語上の唯一の制約は、いつの日か「カイル・リース」を過去の世界に送り込む必要があるということだけだ。自由で広大なキャンバスを手にした本作『Terminator Salvation』は、圧倒的優位な機械軍：スカイネットを相手に絶望的な戦いを挑む抵抗軍という構図で描かれる戦争アクション映画である。多大なる犠牲を払ってスカイネットを無力化できるコードを入手したレジスタンスが総攻撃の準備を進める中、スカイネットに捕獲されたカイル・リースを救出しようとするジョン・コナーと、自分を人間だと信じている機械と生体のハイブリッド；マーカス・ライトのアイデンティティを巡るドラマが描かれていく。

『チャーリーズ・エンジェルズ』シリーズなどという、もはや映画と呼ぶのが適切なのかどうかすらわからない作品で知られるだけのMcGが、どれだけ重厚な世界観やドラマ、リアルなアクションを撮れるものかと誰もが不安に思ったことだろうが、意外や、まともな映画に仕上がっている。特にビジュアル面での力の入れ具合は見事で、これまでのシリーズ作品中ではブルーがかった映像とメタリックで玩具のような機械軍という安っぽい映像スタイルが確立していた「審判の日」後の世界を、リアリティをもって再構築したところは賞賛に値する。CGIだけに頼らずミニチュアやセットを使った効果は随所に出ている。スカイネットが繰り出す数々の殺戮マシーンも個性的かつ魅力的に動かしているし、シリーズのファンを自認するだけあって、過去シリーズにおける幾多の場面を髣髴とさせる演出を随所に盛り込みつつ、それが前作でのような「お笑い」に堕していないところも好感を持った。クライマックス近くでデジタルで再構築された若いシュワルツェネッガーを登場させるサービス精神も嬉しい。

そうなると、気になってくるのが脚本の出来栄えである。クレジットがないとはいえポール・ハギスやジョナサン・ノーランといった錚々たる才能の手を借りて完成されたはずの脚本であるが、期待したようなクオリティに達していない。まず登場人物のキャラクターが十分に描けていない。ジョン・コナーは（Ｔ３で描写より数段マシであるとはいえ）人類の未来を背負ったリーダーになることを運命付けられた男としては一面的で平板だし、彼が率いる部隊の面々もただの賑やかしでしかない。キャラクターの行動や変心も唐突で、違和感を感じる場面が多い。ここには、もともと「マーカス・ライト」を主人公とする物語だったものを、ジョン・コナーの役割を広げるために書き換えていった影響もあるのだろう。ネット上に流出したショッキングな当初構想（マーカスが死亡したコナーと入れ替わり影武者を務める）を反故にして第３幕を全面的に書き換えた影響もあるだろう。いずれにせよ、撮影を進めながら慌てて書き換えられていったせいか、煮詰め方が今ひとつ足りず、荒いのである。

そういう意味で、最も気になっていますのは、プロット上の穴だ。最大のものを指摘するなら、抹殺すべき「カイル・リース」を捕獲したとき、それと認識していながら、基地に移送した上で監禁しているスカイネットのマヌケさはどうだろう。論理的に考えて、彼を生かしておく必然性はどこにもなく、機械の思考としての合理性も欠く。これではただのアホだ。

シリーズの序章らしく、説明されずに残された「謎」も多々ある。そもそも「カイル・リース」の名前がスカイネットの抹殺リストに乗っている理由がわからないし、納得のいく説明も仮説すらも提示されていない。審判の日の前に死刑に処されたはずのマーカス・ライトが本作に登場するまでの経緯も全てが説明されたわけではない。もしかしたら、プロット上の致命的な穴だと思っていたことも、後々きちんと説明がつくのかもしれない。しかし、本作を見ただけでは想像もつかない複雑なバックストーリーが緻密に構築されているとも思われず、結局、行き当たりばったりで終わるのではないかという危惧が残るのである。まあ、それが「ターミネーター」らしさだといえば、そうなのかもしれないが。

Twilight

トワイライト～初恋～（☆☆）

昨秋、本作が米国で大ヒットしたというニュースを聞くまで、恥ずかしながらその名前を聞いたことがなかった。ステファニー・メイヤーの原作シリーズは、映画化されるまえから相当売れていたものらしい。海を越えた日本でも、主要なターゲット読者の気を惹くライトノベル風の新書、それじゃさすがに手に取るのがはばかられると感じる向きのための普通の文庫と2種類の形態で出版されていたのだが、全く気がつかなかった。それもそのはず、主人公の少女がバンパイアと禁断の恋に落ちる学園ロマンスものというのだから、そりゃ、少女マンガの世界であって、当方なんぞの目に入るわけがない。

シリーズ第１作となるこの作品は、常套としてキャラクターと基本設定の紹介を担っており、話は小さな世界で展開する。主人公である孤独を抱えた転校生が、周囲と付き合いがなく謎めいた美青年に惹かれていくうちに、彼（とその仲間）の重大な秘密を知るという話が前半。２人が付き合うようになったあと、少女が流れ者のバンパイアの狩りのターゲットとして目をつけられてしまい、その魔手から逃れよう、逃そうとする話が後半である。地元に隣接した居留地に暮らす「狼」の子孫だというネイティブ・アメリカンに伝わる「伝説」を思わせぶりに絡めつつ、次回以降に期待を持たせて幕を閉じる、といったところだ。

やりたいことも方向性も分かるのだが、映画としては中途半端である。バンパイアものである前に、恋愛ものである前に、「学園もの」であるところが本作のユニークなところであるはずなのだが、学園ものとしての描写に踏み込みが足らず、何人か登場する友人たちもお座なりで肉付けが足らない。日常生活の場である学校生活をきちんと描かなければ、異物であり、裏の世界で生きるバンパイアという存在が魅力的に立ち上がってくるはずがなかろう。これは大きな不満店である。さらに「恋愛もの」として、２人が互いに惹かれあい、心を許すまでのプロセスがきちんと描かれていないのは問題であると思う。雰囲気は演出されるが、２人が恋に落ちるのはお約束ごととしてのみしか理解しようがないのだからどうしようもない。もちろん、二人が交わす思わせぶりな眼差しだけで全てを理解できないような観客は、本作のような「お約束」で成立している作品を楽しむ素養が足りないということもできるのだろう。ただ、「禁断」のはずの異種間恋愛が、あまりにもあっさりと成立してしまうのではドラマとしての面白みがないと思うのである。

結局、本作もまた、たとえば『ハリー・ポッター』の映画シリーズがそうであるように、原作を読んだファンに向けての「動く挿絵集」として存在するだけなのである。もちろん、それが本作の目指したところであり、存在意義だとするならば、観客をうっとりさせるに十分なキャスティングを含めて成功しているといってよい。主人公の少女を演じるクリステン・スチュワートはその意志の強そうな眼差しがクールだし、相手役のバンパイアを演じるロバート・パティンソンもハリー・ポッターでの脇役では十分に活かしきれていなかった魅力を開花させ、アイドル的人気が世界中で沸騰するのも必然だと思わせる。

話の設定から想像される作品の「ポテンシャル」、魅力的なキャスティングから考えれば、本作はもっともっと面白い映画になりえたと思うのだが、本作に熱中するファンたちはこの程度の出来栄えでも十分満足するものらしい。そうやって、低いところ低いところに基準が流れていくのはあまり感心したことではない。本作の大ヒットを受けて突貫スケジュールで製作・公開される次回作の監督はキャサリン・ハードウィックからクリス・ワイツに交代、女性視点から男性視点に変わることで、この少女マンガ世界が崩壊するリスクもあるものの、彼の実績から考えるに映画としては本作よりも期待を持てそうだ。紆余曲折の上で第３作の監督に内定したのは『ハードキャンディ』のデイヴィッド・スレイド。さて、どうなることか、映画好きとしては２作目、３作目のほうがそそられる。そういう意味では、本作も一応チェックしておくくらいの価値があるだろうか。

Tropic Thunder

トロピック・サンダー史上最低の作戦（☆☆☆★）

『ズーランダー』を見るために初日のシネパトスに並んだ当方としては、ベン・スティラーひさびさの監督作がそれなりの規模で全国ロードショーされると聞いただけで嬉しくてしょうがないわけで、実際に見にいってみたら、このひとがアクション・シークエンスからスペクタクルなシーンまで、(支えるスタッフがしっかりしているとはいえ）意外や意外、監督として並外れた器用さをもっている事実まで確認できたわけで、もうこれ以上ありがたいことはない。足りないことがあるとすれば、オーウェン・ウィルソンの不在だが、（たぶん代打で出演だと思われる）マシュー・マコノヒーも面白かったので、それでよしとしたい。TiVoだよ、TiVo！契約は守らせたぜっ！

宣伝で勘違いされていると困るのだが、これはかつてＺＡＺがやっていたようなナンセンスものでもないし、たとえばScary Movie シリーズがやっているような単純なスプーフもの(＝おバカ映画）ではない。これは、時にブラックな皮肉の効いた風刺劇とでもいうようなもので、その対象は特定の映画というわけではなく、ハリウッドの映画作りと俳優を中心に、エージェント・プロデューサーなど、その周辺の人種を笑いのめそうというのだから怖いもの知らずである。俳優とエージェントについてはそれなりに救いもある描き方がなされているのだが、ダイエット・コーク中毒のハゲデブ(ただしチビではない）ハーヴェイ・ワインスタインをメインに創作された大物プロデューサーの描写だけは容赦がない。それをハゲ＆デブ・メイク(チビはメイクではない）で真剣に熱演する某サイエントロジー信者の、目が笑ってないあたりの恐ろしさときたら、もう、なんと表現したものか。このひと、結局、この映画をさらってしまった。

まあ、俳優の描き方には救いがあるとはいうものの、スタローンやチャック・ノリスといった筋肉俳優や、ダニエル・ディ・ルイスやラッセル・クロウのような演技派俳優は笑って済ますことができたとしても、意外に冗談の通じないやつであることがばれてしまっているエディ・マーフィは多分、怒るだろうな、などと想像するのもまた楽しかったりする。当然、期せずして人気大爆発のロバート・ダウニーＪｒの、このコメディに出自をもつ超絶演技派俳優の力技を堪能するだけでも入場料金の元はとれる。もう、いかようにでも楽しめる作品である。

もちろん、ベン・スティラーのギャグのセンスは相変わらず冴えている。しかし、ネタも濃ければ見せ方も濃く、東南アジアのジャングルを舞台にむさくるしい男たちが出てくるという画面もまた濃いため、分かる・分からない以前に、合う・合わないというファクターはあるので誰にでも薦められるかというと難しいのだろう。また、さすがに1億ドル級の大作とあって、『ズーランダー』にあったようなリラックスした気楽なくだらなさを積極的に許容する余裕には欠けるところが少々息苦しくはあって、その辺が少々物足りない。次は、もっと小さな予算の気楽なやつで一発、お願いしたいよね。

21

ラスベガスをぶっつぶせ (☆☆☆)

この映画の原題は『21』である。これは、エースを「11」、絵札を「10」として数字を合計し、「21」を超えない最大の数が勝つというブラックジャックのルールに由来するものだ。ブラックジャックというゲームでは、どういう状況のときにどうプレイすべきか、統計学的に有利と考えられる基本戦略がある。それに忠実であれば、あくまで確率の話だが、それほど負けが込むことを避けられるはずである。そういう性質のゲームであるから、確率を自分の味方につけるべく、さまざまな方法が研究された。ゲームでカードが配られる毎にデッキに残った未使用カードの種類に偏りが生じ、確率的な有利不利もそれにつれて変化する。映画好きなら記憶にあるであろう、『レインマン』ではダスティン・ホフマン演ずるレイモンドが場に登場したカードを全て記憶、残りカードを把握することによってプレイを有利に進めて大勝するという描写があった。あれは特殊な設定で、かつ、誤解を招きかねない大げさな描き方が成された例であるけれども、この映画の主人公であるＭＩＴの学生たちが試みるのも基本的には同じことである。全てのカードを記憶する代わりに、場に現れたカードを独特のカウント方法によって「数え」ていく （= ｃard counting) ことで、残りカードのコンディションを推測しようとするものである。プレイヤーに有利な状況だと判断すれば仲間を呼び込み、掛け金を増やすなどの積極策で打って出る。不利な状況であれば消極策で損失を減らすという「作戦」だ。

この話は、実際の事件に材を撮ったベン・メズリックの原作（"Bringing Down the House"）を元にしており、M.I.T. に入った貧乏学生が、"card counting" を教え込んだ優秀な学生たちを使って荒稼ぎを繰り返している「教授」の誘いにのり、次第に深みにはまっていくというものだ。映画はここに「自らの欲望を満たすために悪魔に心を売った主人公が味わう絶頂と絶望、友情と葛藤、再起と成長」という大定番のプロットを見出して再構成、淡い恋模様を交えて、スリルと苦味を伴う青春映画の佳作に仕上げて見せた。実際はアジア系の学生が多かったはずの主人公グループを白人主体のグループとして描いたことで物議を醸したが、実話に題材を求めた娯楽映画、商業映画という観点からは非難に値するほどのものでもあるまい。ギャンブルと裏世界の青春といえば、マット・デイモンとエドワード・ノートンが共演する変化球的佳作『ラウンダーズ』も記憶に新しいが、こちらの方がより定型的な教訓を含んだハリウッド青春映画を志向している。それもまた、小説より奇なる実話を単純化して台無しにしたとの非難を受ける理由には違いないのだろうが、定番(フォーミュラ)の強靭さをナめてはいけない。そこには長い年月に渡ってテストされ続けてきたストーリーテリングのエッセンスが凝縮されているのだから。

主人公を演じるのは、『アクロス・ザ・ユニバース』でも注目を集めたジム・スタージェスで、数学の天才に見えるかどうかは別として、ロボット・コンテストに夢中になっていそうなgeekには見えるし、学費を貯めるために手を染めた「悪事」にはまり、人間性が変わっていくさまをそれなりの説得力と魅力で演じていて、ブレイクが近いことを伺わせる。ヒロインに抜擢されたのは『ブルークラッシュ』が印象に残るケイト・ボスワースで、『Legally Blonde （キューティ・ブロンド）』で名をあげた本作の監督、ロバート・ルケティックとは『Win a Date with Tad Hamilton! （アイドルとデートする方法）』に続く２度目の顔合わせだ。そういう若いキャストを誘惑するメフィストフェレスを演じるのは、本作のプロデュースも務めるケヴィン・スペイシーである。まあ、彼が得意なタイプの役柄で、なんら想像の範疇を超えることもないが、この胡散臭い役柄を軽く演じて若手の役者たちとのキャリアの違いを見せつけている。カジノ側でイカサマ摘発に血道をあげる強面の男をローレンス・フィッシュバーンが迫力たっぷりに演じてここでの役割を全うしている。複数エンディングが撮られたというが、劇場公開版はいかにも米国的な強かな生き方をパンチと皮肉が効いたタッチで決めて、なかなか鮮やかである。

Three to Tango

スリー・トゥ・タンゴ（☆★）

マシュー・ペリーが主演するロマンティック・コメディで、相手役は『スクリーム』のネイヴ・キャンベル。ライバル役にディラン・マクダーモット。この3人、それぞれ、『Friends』、『Party of Five』、『Law & Order』に出演して、TVで人気に火がついたスターたちだ。監督は主にTVで活躍しているデイモン・サンテステファノという、まあ、一目見て安上がりな企画。ロマンティック・コメディは好物なのでとりあえず見に行った。

主人公は建築事務所勤務である。事務所の命運がかかった大事なプロジェクトのクライアントから、ある依頼をうけるのだが、それは、クライアントの愛人を監視する役だった。しかも、その依頼はそもそも主人公がゲイであるという勘違いによるものだ。断れない依頼ゆえに「監視」をするうち、その女性に恋をしてしまったから、さあ大変。

「ゲイと勘違いされて大騒ぎ」というネタは、2年前の『イン＆アウト』から進歩がない。そんなことで笑いをとっている時代ではないと思うのだけれど、世間は意外に心が狭く、保守的で、こういう話で笑ってくれると映画の作り手は考えているらしい。

しかし、人気ＴＶドラマの売れっ子が共演し、TV畑の監督が作ったこの映画、残念なことにというのか、想像通りというのか、ＴＶ的に生ぬるい、笑えないコメディになっちまった。これじゃわざわざ劇場にかける必然性を感じない。

勘違いに基づくドタバタと、好きな人に好きだと告白できない切なさ。ロマンティック・コメディだというのなら、ちゃんと笑わせ、ちゃんとロマンティックに締めてほしいところだが、どちらにしても中途半端。笑わせどころのギャグもアイディアも冴えない。マシュー・ペリーが出ていれば、たいした工夫がなくても観客が満足するという思い上がりがあったんじゃないか。

そのマシュー・ペリーは一応、スラップスティック型のコメディ演技を売りにしているようなのだが、体で笑いを取るにしては動きにキレがない。そのうえ、演技自体も大味で、繊細な「男心」を演じて見せることなどできるようには思えない。これじゃ、ただつったっているだけのデクノボウだな。

ヒロインのネイヴ・キャンベルは、キャラクターの「安っぽい」感じにはよくハマっているのだが、主人公が「一目ボレ」するだけの説得力が感じられない。もともと美女というタイプではないのに加え、メイクが酷いんだ。化粧してわざわざ醜くなるなんて、なんのこっちゃ。

冴えない映画のなかで一人気を吐いているのが主人公の上司役をやっているオリバー・プラットだ。笑いをとれ、演技ができ、しかも個性的な風貌で、メインの3人を吹き飛ばす存在感。この人は、なんだか役を選ばずなんでもやっていて、あちこちで顔を見る気がするのだが、そこが非常に頼もしい。やはり、脇とはいえ映画の顔は違う。彼がいなかったら途中で劇場を出てしまいたくなるところだったよ。

Three Kings

スリー・キングス（☆☆☆）

イラクとの協定が結ばれて湾岸戦争が終わり、何もすることのない米軍兵士たちは帰国を待つばかりであった。そんななか、主人公とその仲間たちは敵の投降兵士から手に入れた地図に記されているのが、フセインがクウェートの富裕層から集めた金塊の隠し場所だと確信を持ち、金塊強奪を企てる。タイトルは聖書にある「東方の三賢人」に由来するもの。デヴィッドO・ラッセル脚本・監督。出演は、ジョージ・クルーニー、マイク・ウォールバーグ、アイス・キューブが出演。

ジャンル分けが難しいが、政治的なメッセージ性の強いコメディ、というのが一番正確なところだろう。

相当の時間をリサーチに使ったという。その成果かどうか、本筋とは一見して無関係に見えるディテールの描写に面白みがある。敵の根拠地に潜入してみればアメリカを始め世界各国の工業製品が闇市さながら所狭しと並んでいたりする様は唖然とするし、ジーンズを抱えて右往左往する敵の兵士は非常に滑稽だ。実はこういった描写が「企業家精神の発露としてのアメリカの戦争」という皮肉りである。そう、一見して無関係と書いたが、これこそが映画が見せようとする本筋かもしれない。

お気楽に宝の強奪を計画した男たちが、思わぬ困難に遭遇するなかで知る戦争の矛盾と「アメリカの大義」の理不尽さ。人の死体が簡単に転がり、本来救うべき人々が援助もなく見捨てられ、私欲や物欲がうごめく見せかけの平和。自国企業の権益保護を人道主義にすりかえる大国のエゴ。

もちろん、みんな分かっていたことである。何を今更、と言う気もする。しかし、これがメジャー・スタジオの大作として作られる懐の深さ。アメリカの正義にツバを吐いて見せる気骨。もちろん、スターが共演する戦場アドヴェンチャーという娯楽映画のパッケージを周到に用意し、なによりアメリカ兵がアメリカの理想を実現する展開ではあるのだけれど。

反面、不必要に説教臭い映画になってはいないだろうか。主人公たちが最後までお気楽にお宝強奪を目的に走り回る陽性の戦場冒険アクションであったら、もしかしたらこの映画のメッセージはより強く、屈折した形で伝わったかもしれない。それを惜しいと思う。娯楽性とメッセージ性の融合はいつだってムズカしいハードルだが、娯楽性が言い訳に使われたようにも見えるこの作品は、娯楽映画としての強靭さを獲得できていない。

明確なスタイルを持った映像とオフビートなコメディセンス、そしてなによりその度胸で脚本・監督のデヴィッドO・ラッセルが株を上げたのは事実だろう。内臓に食い込んだ弾丸がどのようにダメージを与えるのかを再現して見せるカットなどはアイディアとして秀逸だし、それをアイディアに終わらせず、物語のなかできちんと消化しているところも良い。ただ、どこか作り込み度の高さによって、登場人物たちと観客との距離が開いてしまい、感情移入を難しくしているところがあるんじゃなかろうか。