The Lovely Bones

ラブリー・ボーン（☆☆）

理不尽にも命を奪われた者が、霊媒師の力を借りて愛する者を守り、犯人に復讐を遂げたのちに感動的に昇天していく・・・のはジェリー・ザッカーの『ゴースト』だった。本作の予告編がミスリードして観客に期待させるのも、おそらくはそういう物語であるだろう。

主人公が「殺される」ところで幕を開ける物語が、とりもなおさず「ハッピーエンド」で幕を閉じるためには、ことの真相が明らかになるのはもちろん、（愛する者のためにも）何らかの形で犯人への復讐をとげ、無念を晴らす必要がある。だが、ピーター・ジャクソンの新作『ラブリー・ボーン』は、この当たり前とも思える常道をことごとく否定したところで、なおもハッピーエンディングを迎える作品として成立させようというチャレンジを試みているところがユニークだ。しかし、それが必ずしも成功しているとは思えない。

シアーシャ・ローナン演ずる主人公は、近所に住む男によって無残に殺されてしまうが、意識だけ、この世とあの世の中間のような場所に留まって、事件をきっかけに崩壊した家族の行く末を見守ることになるという話である。家族の再生を見届けた少女は、自らの心残りを晴らしたのち、昇天していく。まあ、その「心残り」というのが、年頃の少女らしく、どのように殺されたかを考えると、ちょっと泣かせるものではある。

しかし、殺人事件の真相は表向き明らかにならず、劇中で事件は解決しない。その意味で犯人への復讐は遂げられないし、そもそも少女の遺体すら発見されないまま終わる。思いつく限りの定型パターン崩しだし、これは居心地が悪い。

もちろん、被害者家族を中心に据えた社会派のドラマであったなら、こうした展開も掟破りではない。家族が前に一歩踏み出すためには、過去に埋めてしまわなくてはならないものがあるということ、真犯人を明らかにし、復讐を遂げても死んだ少女は戻らないし、家族の傷も癒えるとは限らないのだということ、無残な少女の死体が発見されたらされたで、家族が辛い思いをするだけだということ。ここで描かれるドラマは、十分に理解できるものである。しかし、この映画はそうしたドラマへの踏み込みが中途半端に終わっている。

死んでしまった少女が体験する死後の中間世界が映像的な見せ場となっているはずだが、平凡でつまらない。手間隙がかかっているのは半端ではないエンドクレジットの長さでも分かるから、少し勿体無いところだ。スタンリー・トゥッチが珍しいタイプの役を演じて賞レースでも名前が上がってきているが、作品の出来栄えに足を引っ張られることになるだろう。

Surrogates

サロゲート（☆☆☆）

SFi 映画はヴィジュアルが命である。思うに、この作品はそのヴィジュアルを作り上げるだけの金がなかったか、監督がそちら方面に興味がないかのどちらかなのだろうと邪推する。8000万ドル級の（中規模）予算では正直、たいしたことができないご時勢である。しかし、曲がりなりにも近未来の設定で、街を走っている車が全部、現行モデル（やそれより古い）車っていうのはどうなのか。端的にいえば、これが本作の致命的な弱みの象徴だ。

「身代わりロボット」が普及した近未来のボストン近郊を舞台に、ブルース・ウィリス演ずる刑事が殺人事件を追う。タイトルとなっている「サロゲート(Surrogate)」は、代理、代用の意を持つ。時期的に見て、製作中だった"Avatar" に触発されての企画なんだろう。しかし、「遠隔操作する身代わり」というモチーフこそ似ているが、作品の方向性は全く異なる。興行的に大成功を収めているあちらの作品では、最新のテクノロジーによってまるごとひとつの世界を創造してみせるわけだが、ストーリーとしては古典的な物語を焼きなおしているだけだ。それに対する本作は、気取らない娯楽アクションの体裁で、致命的なほどに安っぽいヴィジュアルながらも SFi 的モチーフがもたらす特異なシチュエーションやドラマに焦点を当てている。

本作の監督、ジョナサン・モストウは、映画好きならば『ブレーキ・ダウン』や『U-571』で新鋭として期待を持った名前であろう。敢えて火中の栗を拾った『ターミネーター３』が不評をかこったためなのか、これが劇場用監督作としては久々の新作ということになる。先に指摘したようにヴィジュアル面は情けないくらいにプアなので、それ自体が作品評価を下げるのは致し方あるまい。しかし、タイトにまとまった89分に、SF的なアイディアと社会風刺、哲学的な問いかけ、夫婦のドラマなどがさりげなく織り込んだ職人的な手際の良さは評価されてもいい。古くからのブルース・ウィリス好きとして、サロゲートとしての彼の姿が、若いころのままであるところがものすごく感慨深い。いつの間にか時は流れているものだね。

冒頭、ニュース・リールを使って一気に設定と状況を説明しようという手口は、尺の短い娯楽映画としては手際のよいやり口である。深読みすると、これは近未来の話ではなく、どこかで分岐したもうひとつの世界とも考えられる作りになっていて、先に槍玉にあげた「現行モデルの車」が走っているのは、それが理由かもしれない。だが、いくらパラレルワールドといっても、この「サロゲート」の普及を全世界の98%などと大風呂敷を広げるから嘘っぽくなる。しかも、「世界」といっておきながらボストン近郊しか映像にして見せられないのだから、かえってしょぼくれている。いっそ、北米の大都市圏を中心とした流行、くらいにしておいた方がよかっただろう。また、ここまで徹底した「サロゲート社会」が、実際問題どのように機能しているのか、ストーリーの中で説得力をもって見せ切れていないのは脚本の課題だろうか。ドラえもんの「もしもボックス」噺の方が、（ナンセンス漫画とはいえ）むしろそのあたりがよく考えられていたりする。

Julie & Julia

ジュリー＆ジュリア（☆☆☆）

米国ではＴＶ出演や著作であるフランス料理本で有名なジュリア・チャイルズの全レシピを、現代の女性が1年間で制覇するさまをつづった blog を原案にして脚色、外交官の夫人であったジュリア・チャイルズその人が、フランス滞在中に料理を学び、本 ("Mastering Arts of French Cooking" 1961年刊)を出版するまでのストーリーと折衷しての映画化である。ネタに詰まって blog 頼りなのは、太平洋のこちらも向こうもさして違いがないところ。（米国メジャーの作品では本作が最初のBlog映画になるらしい。）

本作を手がけたのは、2000年代に入って製作ペースと評判を大きく落としたかつての人気脚本家・監督のノーラ・エフロンである。脚本家としてはともかく、監督した90年代のヒット作はさして面白いと思っていなかったので、そもそも監督としては過大評価気味だったと思っている。本作は4年ぶりとなる作品なのだが、こちらの先入観を覆すというのか、ここのところの不調が嘘だったかのように面白いのだ。彼女の監督作品では一番いいかもしれない、とさえ思う。

まあ、本作の面白さは、メリル・ストリープが「再現」するジュリア・チャイルズのパートによるものだ。エピソードが面白いし、メリル・ストリープの成りきり演技が見物である。賞取りにいくにはいささか軽い映画が多いとはいえ、ここのところのメリル・ストリープは作品にも役にもめぐまれていると思う。

それに比べ、主人公であるはずの女性のパートは、ドラマとして成立していない。この作品がもし、（たまたまメリル・ストリープも出演していた）『めぐり合う時間たち』的、つまり、ひとつの共通アイテムを巡って、複数の世代にまたがるドラマを展開することを狙った野心的な作品であれば、これは映画の根幹に関わる問題になるのだが、作り手もそんなことは承知しているかのように気負いのない作り。ジュリア・チャイルズのエピソードを語る「つなぎ」として機能すれば十分という読みがあったとしたら、それは賢い判断だといえよう。もちろん、演じるエイミー・アダムズのキュートさが全てを帳消しにすることも計算の上に違いあるまい。

Space Battleship Yamato: Resurrection

宇宙戦艦ヤマト　復活篇（☆★）

15年ほど前に西崎義展がぶち上げた「完結編」の続きを作るという企画は、会社の破産、本人の収監、著作権にまつわる泥沼裁判等々で敢え無く沈没したものと思われたが、さすが不死身の無敵戦艦ヤマト、当時発表されたプロットそのままに完成、公開と相成った。西崎の執念たるや恐るべし。

しかし、「作った」ということの執念はともかく、内容は酷すぎて話にならない。私もかつて夢中になった者のひとりとして、懐かしさもあるし、昔のもこんな感じだったじゃん、と擁護したくなる気持ちを理解できないわけではないが、話がダメで、キャラクターがダメで、演出がダメで、音楽がダメなんだから、どうしようもない。かつて先駆的であり偉大なマイルストーンとなった作品に対し、いまいちど恥をかかせた罪は重い。

もともと本作のプロットは、湾岸戦争後の世界情勢のなか、石原慎太郎の「原案」も加味して作られた。ブラックホールに飲み込まれることが不可避となった地球を脱した移民船団が、米国を模した強大な星間国家と、それに服従する星間連合の多国籍軍に行く手を阻まれるというものである。映画の冒頭で、やたらでかい文字で原案：石原慎太郎とクレジットされるのはそういうことだ。

ボケ気味の都知事、、でなく大作家先生である石原を巻き込んだからといって、物語そのものに新機軸があるわけではない。かつての軍国少年、石原や西崎により反米的色彩が強く出されていることを除けば、あらすじを聞いてもどこかで聞いたような話にしか聞こえない。さもありなん、これは過去の作品を作る過程で生み出されたアイディアや捨てられてきた没プロットの使いまわし、つぎはぎ以上のなにものでもないことは、明白である。

松本零士との喧嘩別れの影響で、キャラクターやメカのデザインからはいわゆる松本色が排除されているのだが、それに代わる筋の通った魅力を打ち立てることができていない。旧キャラクターは（年齢を重ねたという設定だとしても）別人状態、新キャラクターは脚本のひどさも手伝ってキャラクターがたたず、区別もつかない。松本メーターを失ったメカニックは、作品としての個性も失った。

音楽は宮川泰・羽田健太郎の両名を失った痛手が大きい。とはいえ、本来、彼らの残したモチーフも要所で使いながら、新しい世代の作曲家に劇伴を書かせるのが筋だろう。それだけの予算もなかったんだと想像するが、過去曲の再利用（羽田健太郎の「交響曲宇宙戦艦ヤマト」）は懐かしさという意味で許容したとしても、既成のクラシックを延々と流すのは駄目だ。その選曲のセンスも酷いが、使い方もムチャクチャである。

本当は、作品を重ねるごとに悪い意味でのご都合主義を重ねてグダグダになっていった「ヤマト」の歴史を清算し、立て付けも新たに復活させるべきだったのだろうが、その仕事は噂されるリメイク版TVシリーズや、実写版に委ね、ただただ老害とはこういうものと世間に恥をさらすためにのみ、本作は存在するといってよいだろう。一時でもヤマトが好きだったものとして、至極残念であり、腹立たしい出来栄えの作品である。

2012

２０１２ (☆☆☆)

新作が待たれるジェームズ・キャメロンの『アビス』が1989年公開だから、CGI によるVFX がそれまでの特撮技術にとってかわって大々的に用いられるようになって、はや２０年が経つ。CGI の技術そのものも進化を続けてきたから、少し大げさに言えば、今日では事実上、どのような映像表現であっても、ほとんど制約なしに、自由自在に創りだすことができるようになったわけだ。もちろん、それなりの手間暇をかけないと「実写レベル」で説得力を持った映像には仕上がらないが、今日ハリウッドが送り出す大作商業映画ではさすがに一定レベルをクリアしてくる。こうなると、いよいよその技術を使って何を表現するのか、何を見せるのかという最も本質的なところが問われることになるだろう。

そんな話から始めるのは、スケールは大きいが中身はスカスカのバカＳＦ映画ばかりを撮り続ける、ある意味で敬愛すべきクリエイター、ローランド・エメリッヒの新作『２０１２』は、何でも描けるようになってしまった時代に何を描いて見せるのかという点において作り手の真価が問われる作品である、と思うからである。マヤ暦が２０１２年で終わっていることをモチーフに、世界の終焉を描くという企画である。太陽の異常活動をきっかけとして地球環境が大変動を起こし、いまあるかたちでの世界が文字通りに崩壊していくわけだが、ともかくその崩壊するさまを、言いわけ程度のストーリーでつないだものだといってよい。未曾有の災害を描くことにかけては第一人者を自認しているエメリッヒのこと、ここぞとばかりに心血を注いだに違いあるまい。これまでの彼の作品のなかでも相当に力が入っている部類だろう。

正直に言えば、もともと彼の作る映画に対する期待値は高くない。だから、想像したよりも面白かった、ということでしかないような気もする。しかし、この作品のディザスター表現はかなり新鮮だ。地震、噴火、津波、ありとあらゆる天変地異が一度に押し寄せてくるわけだが、それによって都市が、大陸が、文明が、どのように壊れていくのかという点において、これまでに見たことのないような独創的な映像が次から次へと惜しみなく繰り出される１５８分なのである。長尺ではあるが最後まで退屈はしない。エメリッヒ本人と、盟友（制作・音楽・脚本）のハラルド・クローサーが手がけた脚本は、想像を超えない範囲でつまらないのだが、それを差し引いても余りあるイマジネーションの充実度は劇場で体験する価値があると思う。（まあ、今になって思えば、これを３Dで作っていないことが悔やまれるというところか。）

主人公を演じるのは、同年代を過ごしてきた観客の代表としてのぼんくら中年、ジョン・キューザック。適度な個性で画面に埋もれることなく、本当の主役はVFXを駆使したド派手なディザスターであることをわきまえた狂言回しとしてなかなかよいキャスティング。政府の陰謀をラジオで発信し続ける危ないおっさんをウディ・ハレルソンが楽しそうに演じているのが笑いどころだろうか。

Drag Me to Hell

スペル（☆☆☆★）

だから、ジプシーの呪いは怖いんだって。

さて。ゼメキス＆シルバーが「ダークキャッスル」で、マイケル・ベイが「プラティナム・デューンズ」なら、サム・ライミは「ゴーストハウス」なのである。『スパイダーマン』3部作で疲れたのか、自身が低予算ホラーを専門に製作するために作ったプロダクションで、まるで息抜きをするかのように撮ったのが本作「私を地獄に連れてって」である。低予算といってもアリソン・ローマンと、（Apple: Get a Mac のCMの）Mac 君ことジャスティン・ロングをキャスティングできちゃうあたりが素晴らしい。

サム・ライミは、『死霊のはらわた』によってホラー映画で過激な描写を突き詰めると笑いに転化するということを世に知らしめた人であり、以降しばらくのあいだ、ホラー映画というジャンル全体がトチ狂ってしまう原因を作った人である。彼の「ホラー映画」は、昨今流行している残酷で陰惨な描写をつきつめたような病的な作品群とは一線を画している。多分、本作に一番近いものが何かと問われたら、結局のところ、遊園地の絶叫マシンなのだと思う。絶対に安全で危害がないと分かっていて楽しむ非日常的な恐怖とスピード感。パーフェクトなスリル・ライド。

考えてみれば、いまどき「ジプシーの老婆の呪い」とか、「ものすんごい山羊の悪霊」とかで観客を震え上がらせることができるというのもすごいことだと思う。サム・ライミの演出手腕はますます冴え渡り、映画のあらゆる要素を完璧にコントロールしながら、緩急自在に観客を笑わせ、怖がらせ、驚かせ、楽しませる。このあたりのリズム、そして呼吸、ここ一番のところで唐突に飛び出す過剰なショットやダイナミックなカメラワーク。これらはもはや彼のトレードマークであり、誰にもマネの出来ないレベルに到達している。名人芸といっていいだろう。『スパイダーマン』３部作では自制気味だった彼らしさが全編炸裂するのを大画面で楽しめる、これだけでも見る価値のある作品である。

また、主演の昔から贔屓にしているアリソン・ローマンもなかなか演技達者な女優なのである。「理不尽な呪いにかかった哀れな娘」の顔の裏に、自分の利己的な目的のためには手段をいとわないしたたかさをかいま見せるあたりのさじ加減がうまい。この映画のラスト近くになっての怒涛の展開は、彼女の演技があって活きるのであって、単なる脚本構成に帰せられるものではないだろう。また、恐るべきジプシーの老女を演じたローナ・レイバー、彼女がまた素晴らしいのである。よくもまあ、激しいアクションをも要求される過酷な撮影に耐えたことだと思う。

単純な物語だが、サム・ライミが兄（アイヴァン・ライミ）と練り上げた設定も良くできている。ストーリーのサブコンテクストには今日の不況の引き金を引いたサブプライム・ローンの問題がある。本来リスクが高く、貸すべきではない人にまでお金を貸し込んでいた金融機関に、ローン返済が出きずに住居を奪われた側が呪いをかけて復讐する、こういう話なのである。まあ、金融機関の窓口のお姉さんをターゲットにするのはとばっちりもいいところではあるのだが、同時に、貸すときだけはいい顔をしておいて、返せなくなると手のひらを返し、担保として住む場所までも奪っていく金融機関に対する不信感というのは、ぬぐい去れないものとして確実にある。だから、観客は、高感度の高いアリソン・ローマン演ずるキャラクターに同情しながら、「それはさすがに理不尽だよ」と笑い、しかし心のどこかに「やられて当然、もっとやっちまえ」という気持ちがないわけでもない。このあたりの設定の妙がエンディングにつながっていくことになるわけだ。単純な作品のように見えるが、凡百の作品と本作の出来栄えを決定的に違ったものにしているのは、案外こうした部分だったりするものだ。